Court Toujours 08

Court Toujours, fin de course

2008-06-30T07:34:00.000-07:00

Le festival Court Toujours est terminé, et sa dernière édition fut une réussite. La forme courte reste d'actualité pour la Scène Nationale et fera l'objet d'une programmation tout au long de l'année au Théâtre & Auditorium de Poitiers.

Merci à tous et à toutes pour ce que vous avez apporté au festival, et merci à ceux qui ont permis d'alimenter ce blog. Les travaux et productions du groupe témoin autour d'Abattoir, les textes de l'atelier d'écriture journalistique, ainsi que le corpus thématique autour du thème du monstrueux restent en ligne et accessibles pour le moment.

Nous vous souhaitons bonne lecture.

Dance with the memory

2008-06-09T00:34:00.000-07:00

Originaire d’Afrique du sud, Steven Cohen a eu la chance de ne connaître ce passé de la déportation que tard car ses grands parents ont fui la Shoa et se sont réfugiés en Afrique. Il vit depuis six ans en France, un pays qu’il admire mais dans lequel il a du mal à trouver sa place de par ses multiples étiquettes sexuelles et religieuses. Le spectacle qu’il nous a présenté « Dancing inside out » exprime un côté très personnel de l’artiste. Il mêle son regard personnel sur l’époque de la Guerre, sur lui-même avec l’histoire avec un grand « H ».
Porteur de symboles forts basés sur la religion, la sexualité et l’antisémitisme, le spectacle suscite la réflexion sur soi même, sur le devoir de mémoire mais également sur les rapports humains et ce qu’il y a de plus détestable chez l’homme, le rejet et la ségrégation.
Steven présente une danse paraissant improvisée mais totalement maîtrisée sur fond de sons et d’images d’archives évoquant l’époque douloureuse de l’occupation et de la déportation, il se livre entièrement dans son plus simple pareil. Il soulève plein de tabous qui peuvent avoir rapport à nos propres histoires personnelles. Le rapport à ce corps usé, qui a vécu, donne une image imparfaite de l’être et peut choquer davantage que la nudité.

Un artiste engagé
Paradoxalement, alors que le spectacle est interdit aux moins de 18 ans, Steven lance par son spectacle un appel aux plus jeunes : « Les enfants sont ceux à qui l’on doit s’adresser prioritairement dans le langage violent qui est le leur ».
Choquant, provocateur, le spectacle suscite des interrogations qui, au final, permettent d’apporter une seconde lecture différente de ce que l’on voit sur scène et de nous remettre en cause éventuellement. La vidéo de fond où on le voit ainsi danser dans la cour du centre d’histoire de la résistance de Lyon où il croise enfants et adultes exprime les différences de points de vue que l’on est susceptible d’observer dans un tel spectacle entre adultes, responsables, faisant mine de rien avec une certaine hypocrisie et les enfants qui ont un regard plus ouverts et qui ricanent par l’originalité.
Malgré cette liberté d‘expression semblant totale, il se donne des limites : « J’essaye de ne pas danser, de ne pas intervenir dans les lieux qui ne m’appartiennent pas. Pas dans les églises, plein d’endroits … » précise t-il.
Steven nous surprend jusqu’au bout dans un spectacle exprimant liberté, engagement politique et religieux et choix personnels.

Jérémy Valladon, atelier d'écriture journalistique de Court Toujours

Monstres et compagnie

2008-06-08T02:06:00.000-07:00

Hippotheatron est un spectacle qualifié à la fois de théâtre d’objets et de jeux de marionnettes, une alliance curieuse mais réussie !

Quelques minutes d’attente dans un petit couloir avant que ne s’ouvre la porte et que nous soyons entraînés dans une curieuse foire aux monstres. James Bailey, ancien montreur de phénomènes, nous présente ses monstres, plus suggérés que dévoilés et plus drôles qu’effrayants ! En effet, les personnages sont représentés par… de la vaisselle à l’effigie de la curiosité de ces monstres : l’homme tronc, les sœurs siamoises, les lilliputiens… Un spectacle qui met en scène des objets – marionnettes sur un fond de musique et avec des sous-titrages pour mieux comprendre l’histoire d’amour entre ces monstres, trame de cette représentation.

Julien Mellano use avec justesse de tous ses trucs et astuces, inventions loufoques. On se prend au jeu et on remonte le temps à la rencontre de tous ces phénomènes de foires. Une plongée dans l’inconnu et une atmosphère envoûtante qui plairont aux petits comme aux grands.

Prochaines représentations Hippotheatron

- samedi 7 juin à 20h40 et 22h20

- dimanche 8 juin à 17h30 et 19h20

Stéphanie Delaitre / Atelier d’écriture journalistique de Court Toujours

A chacun son monstre

2008-06-08T02:04:00.001-07:00

Quel monstre sommeille en nous ? C’est la question que l’on se pose face au spectacle de Nicolas Bonneau, « Au bonheur des monstres ». Il nous présente une succession d’histoires et de personnages d’apparence ordinaire mais qui ont chacun une zone d’ombre et des pulsions. Ce sont des meurtriers d’un jour. Néanmoins malgré le côté sordide de ces récits, Nicolas Bonneau sait y mettre une touche d’humour et on finit par rire de tous ces meurtres. On compatit, on trouve ces actes justifiés, bref, les monstres de Nicolas Bonneau nous questionnent sur nos propres démons. Bienvenue au parc des petits monstres ordinaires….

Prochaine représentation « Au bonheur des monstres »

Dimanche 8 juin à 17h00 et 18h50

Stéphanie Delaitre / Atelier d’écriture journalistique de Court Toujours

A l'intérieur du secret

2008-06-08T02:00:00.000-07:00

Etienne Pommeret met en scène le secret, sa vitalité, tel que l’a écrit Jon Fosse.

Et si l’on vous proposait de voyager au plus profond de l’âme. Vous soupçonneriez l’imposture ? Et vous auriez sûrement raison « …car l’âme, on ne la voit jamais, elle ne se laisse pas voir, c’est comme ça.» Nous voilà donc rassurés : « L’âme, c’est comme ça. » et c’est justement comme ça qu’on l’imaginait depuis longtemps.

Entrez dans « le Sas ». Et comme cette « scène » porte bien son nom, car c’est bien de théâtre dont il est question si l’on se réfère au programme du festival. Imaginez, une petite pièce dont les murs sont couverts de tentures noires. Au centre de ce petit espace, une sorte de boîte, comme une cabine d’essayage, avec un miroir de chaque coté dans lequel se reflète le public. De la musique vous parvient. Les lumières s’éteignent progressivement, laissant apparaître un homme, derrière le miroir… sans tain : « Le plus important n’est pas de se souvenir, mais d’oublier.» Un homme, va nous emmener au plus intime de l’âme, nous voilà pris dans l’engrenage de ses pensées. Le regard de Jean-Pierre Berthomier est intense et captivant. Ces questions qu’ils se posent deviennent nôtres. Il tourne sur lui-même comme notre réflexion fascinée. « Ce qui est compris n’existe pas, sauf en tant que chose comprise » Vivre dans le secret nous montre un homme qui se pose des questions et qui tente de leurs apporter des éléments de réponse, devant nous, avec nous. « Qu’on me laisse vivre dans le secret. »

On en oublierait presque d’applaudir, déconcertés.

7 minutes pour se remuer les méninges. Attention ! 15 personnes par séances seulement !

Samedi 7 –19h30/21h30/23h dans le SAS. Boucle de 7min.

AméLie. Atelier d'écriture journalistique de Court Toujours

Que Brad nous vienne en aide!

2008-06-08T01:56:00.000-07:00

La lecture de la pièce de Christian Lollike, auteur danois, nous emmène du côté de la « pop politique ». Un monde où Brad Pitt est le héros, et vient sauver le monde des catastrophes écologiques et des problèmes sociaux. Le monde vu comme un scénario de film catastrophe, façonné à l’américaine. Les trois interprètes sur scène se partagent le rôle du bienfaiteur. Les ambiances s’enchaînent, une Garden party organisée par Angelina J, le tournage d’un film où Brad n’est autre que travailleur sur les chantiers de démantèlement, une discussion entre l’ancien héros et sa petite fille. On passe d’un présent où ils savaient, où ils voulaient agir, rongés par la culpabilité de ne rien faire « Punis-moi de ne pas agir ! » à un futur où les reportages télévisés diffusent la désintégration des hommes sous les pluies acides. Et la question de la petite-fille à Brad : « vous ne saviez pas, pourquoi vous n’avez rien fait ? ».

Cette lecture, habilement menée par les quatre comédiens nous dévoilent toute l’ironie de l’auteur, face à ce Charity Business. Les tics de Brad repris subtilement, les paroles tendres d’Angelina « embrasse-moi », tout cela mêlé aux propos sur l’écologie et comment sauver le monde. Mais n’oublions pas l’amour, présent du début à la fin car tout est bien qui finit bien quand Brad est le héros, « ils s’aimèrent jusqu’à la fin des temps ». Rendre à cette pièce tout son propos sans le caricaturer, ni le dénaturer, c’est le parti brièvement et sobrement relevé par cette lecture.

Si vous avez loupé la séance proposée par le festival, vous pouvez toujours vous faire votre propre lecture de l’œuvre.

Julie Sicot, atelier d'écriture journalistique de Court Toujours

MONOLOGOS

2008-06-07T11:47:00.000-07:00

Devinette

Un meeting d'abeilles bavardes?

Un concerto de vents dans des bambous chatouilleux?

Une compétition de tapotements d'orteils déchaînés?

Un frisson sur l'échine de mille oisillons frileux?

Un concours de roulements de "r" à l'espagnole?

Un claquement de langues collectif?

Un bourdonnement de feuilles mortes en automne?

Une invasion de flocons de neige invisibles?

Une ribambelle de grains de sable qui sursautent en coeur?

...

Et pourtant, elle est seule sur scène... Un petit morceau de folie douce.

Pour toutes les oreilles.

Mona CHARDIN

Monologos, de Luc Ferrari et Géraldine Keller

Les Bêtes Humaines...

2008-06-07T07:44:00.000-07:00

Le titre fait frémir, Abattoir. Sang, couteaux, mort surgissent dans nos esprits. Alors quand on se retrouve devant le spectacle on a une certaine appréhension face à ce que l’on va voir, une peur d’être choqué. Mais finalement, ce qui nous interpelle le plus ce n’est pas la violence car il n’y en a pas hormis dans les mots, c’est tout ce qui est extérieur au texte. Tout ce décor que l’on voit ou que l’on entend. Un petit côté désuet, décalé. Que ce soit la tenue de l’interprète féminine, mélange improbable des genres, ou encore les musiques hétéroclites qui annoncent les différents tableaux. On passe d’un thème qui fait penser à La petite maison dans la prairie, à un morceau de rock sur vitaminé et on finit avec What a wonderful world d’Armstrong, le tout entrecoupé de sonorités mécaniques et ciselées. La musique laisse quelquefois sourire par son côté ironique, mais au final on se dit que ce n’est pas si mal trouvé. Car ça colle, les textes entrent en scène et on comprend mieux. Les paroles des ouvriers trouvent leur sens et nous emmènent entre nostalgie et colère. La nostalgie d’une époque où ils se disaient que le travail à l’usine ça serait temporaire, finalement ça dure et puis la vie reprend le dessus, les enfants, les maris, le besoin de deux salaires. La colère face à son corps qui se détruit et qui ne veut plus avancer, mais il faut que ca avance, que ca continue, les rendements sont omniprésents. Dans un système où le mot d’ordre est cadence, tous les gestes sont répétitifs « coupez, appuyez, coupez, appuyez ». Les corps tombent et retombent, fatigués par les mouvements, usés. Le spectacle nous montre cette usure, ces sentiments de révolte et de fatigue, par une interprétation sobre et juste. Le texte est mis en avant, après tout c’est lui qui compte, c’est entendre ces vies. Et le spectacle réussit son pari d’être humaniste. Ils ne jugent pas et met en scène habilement l’envers du décor loin des bêtes mortes. Il montre de manière réaliste la pression ridicule des chefs pour le rendement, le marché des promotions, les petits secrets qui font avancer les ouvriers plus vite, le licenciement. Bref, c’est un spectacle de l’autre côté du miroir qui se nourrit de son côté décalé pour mieux servir le message qu’il porte. Un spectacle où les bêtes ne sont pas toujours celles que l’on croit.

Julie Sicot , atelier d'ériture journalistique de Court Toujours

HIPPOTHEATRON - Le saltimbanque du conte

2008-06-06T14:42:00.000-07:00

Une salle obscure nous présentant un cirque itinérant de début du siècle et nous sommes d’emblée embarqué dans un univers sombre et mystérieux, celui de Julien Mellano. Sous les traits de James Bailey, ancien montreur de phénomènes de foire qui n’a plus rien à montré à son grand désespoir, il nous narre les grandes lignes du film « Freaks ». Ici point d’acteurs pour jouer les lilliputiens Hans et Frieda et autre femme à barbe, les personnages sont réinterprétés par des éléments de vaisselle donnant une interprétation plus plastique du film.

Notre hôte parlant en anglais, des sous titres sont à la disposition des spectateurs sous diverses manières rendant le show davantage interactif. Ces derniers ajoutés à des musiques mêlant cacophonie burlesque et extraits sonores du film nous replongent dans l’univers des films des années 30. Sans pour autant retomber dans la reconstitution narrative d’origine, les fans du film « Freaks » retrouveront toute l’atmosphère angoissante et mystérieuse du film de Ted Browning.

Julien Mellano est un hôte particulièrement envoûtant qui alterne mime et jeu d’acteur. Pour ceux ne connaissant pas le film, ce spectacle reste une bonne séance de rattrapage.

HIPPOTHEATRON

Samedi 7 – 20h40 / 22h20

Dimanche 8 – 17h30 / 19h20

Gymnase

Jérémy Valladon, atelier d'écriture journalistique de Court Toujours

DURACELL - Un musicien monté sur batterie

2008-06-06T14:40:00.000-07:00

Un lieu atypique pour une expérience hors du commun. Andrew « Duracell » Dymond nous fait faire un bond dans le temps et nous fait partager ses souvenirs d’enfance de trentenaire. En effet, Duracell met toute son énergie et son amour à nous faire revivre les grands thèmes musicaux de jeux vidéo des consoles Atari et autre Comodor 64.

Avec sa seule batterie, il joue en compagnie de samples informatiques et nous donne une interprétation très humaine de ces thèmes qui évoluent selon les sensations du musicien. Duracell ne fait pas que ressentir la musique, il la vit au profit d’une interprétation originale et décalée.

Un instant de nostalgie qui reste trop court et à conseiller aux puristes comme aux aficionados de cette époque. Chaque représentation proposera des thèmes différents.

DURACELL

Vendredi 6 23h25 – hall

Jérémy Valladon, atelier d'écriture journalistique de Court Toujours

It's not a wonderful world

2008-06-06T14:37:00.000-07:00

Il n’y a rien d’autre que les corps. Ceux des bêtes d’abord, celles qui meurent, minute après minute. Et puis ceux des hommes, les témoins, les acteurs de cette cadence mortuaire. Abattoir n’est pas un spectacle, au sens noble et orgueilleux du terme. De fait, ce ne sont pas les lumières de la salle qui s’éteignent les premières mais celles de la scène, qui se mettent à faiblir, à clignoter, au rythme des sons d’une usine. Agression sonore. Puis viennent les paroles. Les mots sont dits, sans effet, juste là pour décrire une réalité, dont aucune reproduction matérielle n’est possible. Les scènes s’enchaînent. Le lien reste. C’est l’histoire des ces hommes et femmes que la vie a jeté dans la gueule de l’abattoir. Les victimes de la cadence. Aux mots s’ajoutent les lumières. Le blanc cru d’une poursuite projeté sur le visage d’un témoin. Ses yeux semblent absents, les ombres lui donnent un air de mort. Et il s’agit bien de cela. Les employés d’un abattoir meurent à petit feu, victimes de la mécanisation de leur travail. Ils subissent. Tout. Leurs chefs, leur devoir de produire toujours plus et toujours plus vite, leur besoin d’argent, et la vie qui peu à peu les aliène et les tient prisonnier. Et puis parfois dans cet univers jaillit la lumière rouge, qui nous rappelle que le sang, si il vit encore dans les veines des travailleurs c’est qu’il jaillit des cadavres d’animaux qu’ils dépècent. Les mots jaillissent donc mais les corps des trois acteurs parlent également d’eux-même. La douleur est présente. Cette douleur qui terrasse les ouvriers, à force de répéter encore et toujours le même geste. Mais Abattoir n’est jamais dans l’exagération ou le misérabilisme. Si le témoignage est dur, la création théâtrale s’en fait la porte-parole et non la dénonciatrice critique. Le spectateur est mis en face d’un univers qui lui est inconnu, et on ne lui dit pas comment l’appréhender. C’est chacun qui écoute, ressent, comprend ou s’offusque. Mais justement, la qualité d’abattoir est de ne pas juger. A chaque spectateur de le faire pour soi, si bon lui semble et si il en ressent l’envie ou le besoin.

Sarah Maquet, atelier d'écriture journalistique de Court Toujours

La mère veille

2008-06-06T14:35:00.000-07:00

Anne Courpron, alias Eveline Bichon fait claquer ses talons, essuie ses lunettes. Une fois... puis deux. Car c'est du sérieux, mesdames et messieurs. Son oeil pétillant vous scrute, et dès lors il n'y a plus de doute possible : vous êtes face à une spécialiste, une vraie.

« On a TOUS une maman. » C'est grave docteur? En tout cas, ça se soigne, semble promettre Eveline. Et on la croit volontiers, juste pour voir où cette « séance-conférence thérapeutique » va nous mener... Pas de déception : elle nous secoue de son énergie délirante, nous délivre ses conseils infaillibles, pétille en crescendo... un vrai tourbillon! Chacune des anecdotes croustillantes qu'elle évoque semble illustrer notre propre famille, nous rapportant à notre petite histoire personnelle, elle aussi parsemée de hontes et de colères refoulées envers nos chères mamans...allons, soyons francs, et n'ayons pas peur des mots! Eveline nous connaît, Eveline est là pour nous soigner.

Et si vous n'êtes pas totalement convaincus par l'idée d'accepter vous aussi votre mamernalité, peut-être serez-vous juste charmés par le personnage... On rit sans complexe de l'enthousiasme de ce « médecin de la psyché », qui, elle en est persuadée, sait de quoi elle parle!

Mona CHARDIN, atelier d'écriture journalistique de Court Toujours

N'ayons pas peur des mots, Anne Courpron

Le théâtre de l'étrange

2008-06-06T14:32:00.000-07:00

En pénétrant le couloir sombre menant à l'Hippothéatron de Julien Mellano, on se jette tout droit dans la gueule du loup. Un loup grimaçant à la dégaine effrayante... On est complètement immergés dans son antre, un véritable petit cirque vivant qui ne fait de ses visiteurs qu'une bouchée. L'atmosphère nous enveloppe de son nuage âpre, s'étendant autour de ce sale bonhomme, un rien goujat, qui nous harangue du bout de son cigare... Les ombres se déchaînent tandis que sa voix, tantôt suave, tantôt murmurante, fait naître les personnages de son histoire.

Si l'on se laisse prendre au jeu, l'hypnose opère, et vous voici face à Cléopâtre, trapéziste de choc, et Hans, lilliputien aveuglé par les charmes de la belle... Prenant vie entre les mains de l'artiste, de curieux ustensiles de cuisine deviennent freaks, puis se déchaînent. Leurs caractères se dessinent, ils s'expriment dans ce cirque où les objets ont une âme, où tout s'anime. Dans ce monde l'étrange et le biscornu sont rois. On se surprend même à penser dans le dialecte incongru, grommelant et baragouinant des freaks... Les sous-titres sauveront tout de même ceux qui n'ont pas vu le film original de Tod Browning de l'incompréhension générale.

C'est donc avec délice que frissonneront dans l'Hippotheatron ceux de tous âges qui n'ont pas froid au yeux...

Mona CHARDIN, l'atelier d'écriture journalistique de Court Toujours

Hippotheatron, Julien Mellano

La mamernalité d'Anne Courpron

2008-06-06T14:27:00.000-07:00

« N’ayons pas peur des mots » est le premier spectacle d’Anne Courpron en tant qu’auteur, metteur en scène et interprète. Impressions après la première…

Au milieu du hall, le personnage crée par Anne Courpron, Eveline Bichon, nous invite à une séance conférence thérapeutique peu ordinaire… Le thème proposé est « la mamernalité » c’est à dire le fait d’accepter ou non sa maman. Anne Courpron nous livre LE mode d’emploi des mamans, un peu caricatural certes, néanmoins on retrouve tous notre propre maman à travers cette esquisse des mères. La figure d’Eveline Bichon est représentative des « psychologues-vedettes » de notre société contemporaine : omniprésents dans notre quotidien et qui ont toujours réponse à tout. Néanmoins Eveline Bichon remplit parfaitement sa mission : nous faire du bien ! Avec un décor minimal (un tableau, une estrade et une chaise), Anne Courpron réussit habilement à nous parler de nous avec beaucoup d’humour et en faisant participer activement son public lors de la représentation. C’est donc un premier spectacle réussi pour Anne Courpron, rendez-vous pour le prochain…

Prochaine représentation :

« N’ayons pas peur des mots », vendredi 6 juin à 22h50 dans le hall.

Stéphanie Delaitre

Un "Abattoir" de douceur

2008-06-02T05:43:00.000-07:00

Anne Théron et Claire Servant

Rencontrer Anne Théron, c’est rencontrer une vision du théâtre qu’elle s’est appliquée à mettre en scène, en collaboration avec Claire Servant, dans son nouveau spectacle : Abattoir.

Deux femmes l’une metteur en scène, l’autre chorégraphe réunies par une complicité et un amour autour de leur nouveau spectacle, crée pour le festival Court Toujours. La création de cette production est le résultat de rencontres et de coups de foudre. D’abord un coup de foudre pour le texte. Face à ce scénario de Manuela Frésil qui a interviewé des ouvriers travaillant dans les abattoirs du nord-ouest de la France, Anne Théron est « bouche bée, stupéfaite par la force du texte » et immédiatement l’adaptation pour la scène lui apparaît comme une « évidence ». Mais pour ce faire, il lui faut des collaborateurs et comme le hasard ou le destin fait toujours bien les choses, Claire Servant, chorégraphe est mise sur son chemin. La rencontre a lieu à Poitiers, Anne Théron rencontre Claire Servant et l’envie immédiate de travailler ensemble autour de ce projet les saisit sans « élaborer aucune stratégie ».
Ce scénario c’est « l’écriture de la misère humaine » et pour incarner cette misère il a fallu que les corps deviennent les paroles des ouvriers. Pour ce faire trois amateurs de danse recrutés par Claire Servant, dont le niveau a impressionné Anne Théron. Le spectacle n’est pas un travail réaliste, tout est dans la « suggestion ». Les « valises de mouvements » créées par la chorégraphe sont les clés de voûte d’une dizaine de tableaux scénographiques. Le décor est une boîte blanche ouverte sur la scène, avec une ambiance de chambre froide, il « ramène de la réalité ». Car il ne faut pas oublier que ce spectacle est issu de la réalité, une approche du réel qui donne des émotions. « Abattoir » a déjà fait quelques filages publics et « ça marche incroyablement bien », des gens sont en larmes, la salle est comme en apnée, c’est d’une incroyable douceur malgré la violence du thème, c’est effroyablement « doux et insupportable ». D’ailleurs Anne Théron ne conçoit pas un spectacle sans une logique émotionnelle forte, elle a voulu créer « un univers fantasmagorique hors de ce monde, mais c’est de ce monde dont on parle, un monde injuste où les êtres humains sont annulés ».
C’est un spectacle humaniste, créé dans l’urgence et avec des gens de la région, « des gens d’ici », que Court toujours nous présente.
Après cette mise en bouche, on vous donne rendez-vous le vendredi à 21h et le samedi à 18h55 au centre culturel de Beaulieu.

Julie Sicot / atelier d'écriture journalistique de Court Toujours

Le théâtre et la psychologie, même combat!

2008-05-30T02:28:00.000-07:00

Anne Courpron a accepté de répondre, entre deux répétitions, avec humour mais en toute sincérité à cette interview vérité au sujet de son premier spectacle, « N’ayons pas peur des mots ». C’est LE premier entretien qu’elle accorde et vous en avez l’exclusivité.

Court Toujours : « N’ayons pas peur des mots » est votre premier spectacle en tant qu’auteur, metteur en scène et interprète. Qu’est ce qui vous a donné envie de vous lancer ce défi ?
Anne Courpron : Il y a deux ans, j’ai joué dans un monologue et je garde un très bon souvenir de cette expérience. J’ai apprécié l’interaction avec le public. D’autre part, Jean Boillot m’a invitée et fortement encouragée à créer mon propre spectacle ce qui d’ailleurs me flatte et me terrifie !

Quel est votre état d’esprit à quelques jours de la représentation ?
Je suis stressée car c’est une première pour moi. Cette fois je me livre totalement à travers ce spectacle. J’ai forcément peur de l’échec.

Appréhendez-vous la réaction du public ?
Je la redoute et en même temps je cherche à faire participer le public. Il n’y a pas deux représentations identiques, chaque représentation d’un spectacle a sa propre magie et la réception est différente selon le moment.

« N’ayons pas peur des mots » qu’est ce qui se cache derrière ce titre ?
Le personnage principal est une psychologue conférencière en pleine séance dédicace de son dernier ouvrage. A travers cette pièce, je souhaite dénoncer l’abus de la psychologie dans notre monde contemporain. Les psychologues apparaissent comme des vedettes qui nous disent comment penser. Mais la question primordiale est de savoir s’ils sont de véritables professionnels.

Vous dressez une caricature des psychologues, cela relève-t-il d’une mauvaise expérience personnelle ?
Pas du tout. Au contraire, je suis moi-même assez sensible à la psychologie : j’explique tout, je trouve toujours une réponse psychologique. Ce spectacle est mon contraire, c’est de l’autodérision. Tout le monde s’approprie la psychologie et elle devient accessible à tous. Les gens ressentent de plus en plus le besoin d’entrer en contact, de se réunir, de parler de leurs problèmes et de trouver des solutions. Mais ce qui me gêne c’est l’excès de l’utilisation de la psychologie au quotidien ou son mauvais emploi.

Vous auriez aimé être psychologue ?
J’ai beaucoup de respect envers ces professionnels qui écoutent les souffrances des gens. C’est dur à gérer j’imagine. J’aime rencontrer et discuter avec des personnes mais je ne sais pas si j’ai cette force pour faire ce métier. J’aurai voulu essayer juste un jour, faire un « Vis ma Vie » !

Vous abordez également le thème de la relation mère enfant, pourquoi ce choix?
La psychologie trouve sa source dans l’enfance, dans la relation parents enfants. Le thème du festival Court Toujours étant la monstruosité j’ai également voulu créer un personnage qui se place contre les mères et ne les idéalise pas, un personnage qui apparaît inhumain. En somme je me suis demandée qui était le monstre entre les mères matricides et les psychologues qui tiennent ce discours au sujet de ces dernières.

Dans quel état d’esprit faut-il être pour venir vous voir jouer ?
Ce spectacle est à prendre avec humour bien que je parle de choses sérieuses. Je ne dénigre absolument pas les psychologues, il en faut. Mais je vous invite à passer un moment léger et agréable. Je vous offre une petite bouffée d’oxygène.

Vous êtes seule sur scène, est ce qu’on peut parler de one woman show ?
Je m’adresse directement au public, je suis placée dans le hall du centre de Beaulieu. Le décor est simple, avec peu d’accessoires, il n’y a pas de musique. Ce spectacle peut en effet être qualifié de one woman show, stand up et de monologue bien que je ne parle pas de moi, il y a une grande distance et une invention entre moi et mon personnage. C’est un savant mélange !

Est-ce que c’est un exercice difficile ?
C’est difficile mais c’est surtout un plaisir. Dans ma formation j’ai beaucoup apprécié jouer en petit comité. Voir la réaction en live du public est un avantage et amène forcément le comédien à improviser. Dans ce genre de spectacle, il y a moins de convention (pas de scène réelle, pas de rideau, pas de lumière) et moins de repères que dans le théâtre traditionnel.

Vous avez travaillé avec François Martel, comment s’est passée cette collaboration ?
François Martel a été un regard artistique et extérieur. Il m’a guidé et aidé dans la mise en scène et pour l’écriture. Nous nous connaissons depuis longtemps. Nous sommes deux anciens élèves du Conservatoire de Poitiers. Une vraie complicité artistique nous lie.

Vous êtes originaire de Poitiers est-ce que le fait de jouer dans cette ville vous déstabilise ou au contraire vous rassure ?
C’est un véritable test pour moi. J’essaye d’avoir confiance et de me dire que cela se passera bien. Mais c’est plus impressionnant quand il y a des gens que l’on connaît dans la salle car ils arrivent à deviner ce que vous avez réellement mis de vous dans la pièce.

« N’ayons pas peur des mots » est une création Court Toujours mais est-ce que vous pensez continuer à jouer ce spectacle en dehors de ce festival ?
Si tout se passe bien lors du festival Court Toujours et si je m’en sors vivante, oui j’aimerai rejouer cette pièce. Elle peut s’adapter facilement grâce à sa forme courte (20 minutes) et ainsi être jouée avant un spectacle ou dans le cadre d’un autre festival.

Avez-vous d’autres projets en cours ?
Oui je suis en pleine répétition d’une pièce de Copi, « Le Frigo » qui sera jouée le 20 juin, à 21 heures, à l’Auditorium de Saint Germain. C’est Rodolphe Gentilhomme qui m’a demandé d’être le metteur en scène et le regard extérieur mais je ne joue pas. C’est un univers fou et magique et un spectacle très théâtral.

Vous avez fait de la radio, du théâtre et des courts métrages, est ce qu’il y a encore un domaine que vous n’avez pas encore essayé et qui vous séduit ?
Je ne sais pas, vous avez quelque chose à me proposer ?! En tout cas je ne regrette rien. Chaque projet réalisé m’a appris un peu plus. A la radio, je ne suis plus qu’une voix, pas de visage ni de corps et c’est important quand on est comédien de travailler sa voix. L’assistanat mise en scène m’a permis d’observer, d’agir et de comprendre comment se créé un spectacle, les relations entre le metteur en scène et les comédiens. Enfin mon expérience de comédienne m’a donné l’occasion de passer de la phase de création et recherche à une deuxième phase, celle avec le public que l’assistant metteur en scène ne vit pas. Malgré la diversité de ces domaines, ils relèvent tous de la créativité artistique et d’un moment d’échange et de partage. Le théâtre, comme la psychologie d’ailleurs, est une matière qui nous parle de la nature humaine.

N'ayons pas peur des mots, au festival COURT TOUJOURS, le vendredi 6 juin à 19h05 et 22h50

Stéphanie Delaitre / atelier d'écriture journalistique de Court Toujours

Le Rire du Roi

2008-05-29T07:35:00.000-07:00

CONTE. Achille Grimaud nous propose une création originale : Le Rire du Roi.

COURT TOUJOURS : Dans le programme vous êtes annoncé comme un conteur. Quel est votre rapport au conte ?

ACHILLE GRIMAUD : Je raconte mes histoires comme des nouvelles. J’ai été influencé par des auteurs comme Dino Buzatti, Roald Dahl ou Guy de Maupassant. Je reste fidèle à la structure littéraire mais l’oralité prend le dessus.

Pourquoi avoir préféré la forme du « conte d’animation » à la forme classique ?

Quand j’ai commencé à raconter le Rire du Roi, on me disait que c’était mon histoire la plus imagée. J’ai donc collaboré avec la peintre Gaële Flao pour l’illustrer. Comme je suis un inconditionnel des films d’animations, je pensais n’en faire qu’un court métrage. L’idée a ensuite évolué vers quelque chose de plus interactif. Comme au temps des frères Lumières, où le narrateur commentait en direct. C’est un spectacle vivant.

Vous considérez-vous plus comme un cinéaste ou comme un troubadour ?

Comme un cinéaste troubadour. J’ai envie de raconter coûte que coûte. Je peux utiliser toutes les méthodes de narration possible pour défendre une histoire, je suis un « histoirien ».

Pouvez-vous nous dire en quelques mots ce que vous allez nous donner à voir ?

Le film, muet, s’accompagne d’une création musicale. La voix est au service de l’histoire. Mais peu à peu on ne sait plus si c’est le conteur qui anime l’image ou si c’est l’image qui anime le conteur. Ce sont dix minutes très intensives pendant lesquelles je suis à cent à l’heure. C’est un personnage qui en bave, on en vient même à se demander si je suis conteur, comédien, ou complètement fou. C’est un challenge, j’utilise le même micro que les chanteurs de rock. Ce défi c’est un peu une question de survie. Le but est d’envoyer les spectateurs sur une autre planète, au royaume de l’angoisse.

Le royaume de l’angoisse ou du rire ?

Le rire est ambigu, on peut pleurer de rire, le rire peut aussi sauver une situation. Il peut être glacial. Pour moi le rire et l’angoisse sont deux choses communes. Ici, le Roi rit tellement fort qu’il décapite ses fous.

Ce spectacle est-il aussi parlant pour les enfants que pour les adultes ?

Tout à fait, j’ai toujours fait en sorte d’offrir un double niveau de lecture. Je veux que chacun puisse apprécier le spectacle à sa manière. L’intérêt est de pouvoir découvrir des choses à chaque représentation sans se lasser.

Gaële Flao est-elle sur scène durant le spectacle ?

Non, elle n’est pas présente. Elle interviendra sur la prochaine création…

Donc, des projets en cours ?

Oui, et on verra Gaële peindre en direct. Ce sera une sorte d’hommage aux premiers films d’animation où les images fixes créeront peu à peu le mouvement.
Pour le Rire du Roi, un livre-dvd est en projet.

Vous situez-vous dans la thématique du monstrueux ?

Complètement. Les plus angoissés sont les parents qui se demandent « est-ce que j’ai bien fait d’emmener mon enfant ici ? » Le spectacle est conseillé pour les enfants à partir de six ans. Les plus jeunes peuvent être effrayés par l’ambiance et surtout par ma voix. Les dessins ont une dimension cruelle, on est complètement dans la monstruosité. On a utilisé plusieurs techniques d’animation dont la peinture animée, que les gens n’ont pas l’habitude de voir, et ça les surprend. C’est dérangeant.

Un spectacle d’une dizaine de minutes, à voir absolument !

Dimanche 8 17h05/17h30/18h20/18h55/19h20

Pour l'atelier d'écriture journalistique
Amélie Rolle
Jérémy Valladon
Mona Chardin

Convergence 1.0

2008-05-27T00:31:00.000-07:00

CRITIQUE - Convergence 1.0 Adrien Mondot, présenté du 22 au 24 mai à Beaulieu

Sous l'emprise des balles

Piégé derrière un écran un peu flou, Adrien Mondot s'éveille, seul. Dans ses mains, naît bientôt une balle blanche.
L'artiste et l'objet, muets, se mettent à vibrer sur les accords lancinants du violoncelle tapi dans l'ombre. Très vite, la jonglerie devient chorégraphie, une image informatique s'insinue lentement dans ses ondulations, emplit finalement l'espace en s'agrippant à l'écran. Les balles virtuelles éclosent, se multiplient, et se joignent au ballet. Dès lors, il s'agit d'un duo, s'accordant puis se défiant, entre Adrien Mondot et ce personnage numérique, insaisissable, immatériel, mais omniprésent.
Le jeu entre l'artiste et ce monde d'images vivantes questionne, est-ce l'homme qui agit sur le virtuel, ou bien le virtuel qui tient l'homme sous son emprise..? Le jongleur regarde son monde se dessiner dans cet espace obscur, il y évolue avec aisance. Il orchestre et danse, dirige et subit. L'écran gêne parfois, on cherche à saisir ce qui respire et vit au sein de ce souffle mécanique inébranlable. Car si la musique, par moments, se tait, laissant la violoncelliste dans le noir, le silence n'est jamais absolu. Le personnage numérique respire par de légers grésillements, des sifflements, laissant s'exprimer certains des battements de son coeur fictif.
Lorsque l'homme redevient maître de sa création, on est néanmoins happé avec lui dans le tourbillon des balles virtuelles qui réagissent aux sons, aux gestes qu'il leur adresse. L'illusion éveille en nous l'enfant qui, lui aussi, voudrait échapper à l'emprise de la pesanteur, jouer avec ces bulles vivantes. Le corps de l'artiste est mis en scène avec la même souplesse que son environnement rebondissant, mais on est avant tout frappé par le jeu des mains, sans cesse en mouvement.
Convergence 1.0 appelle la contemplation du spectateur, complice de la moindre esquisse imaginaire de l'artiste. Il n'est pas nécessaire de se creuser la tête; pour que la magie opère, seuls comptent l'innocence et la capacité d'émerveillement de l'oeil hypnotisé, dupé par ces effets d'optique. Il faudra donc également penser à ne pas se placer trop près de la scène, afin de réellement profiter de l'illusion...

Mona CHARDIN / L'atelier d'écriture journalistique

Makadam Kanibal

2008-05-26T05:36:00.000-07:00

ARTS DE LA RUE – Makadam Kanibal jouera son Cirque des curiosités place de la Mômerie à Beaulieu dans le cadre de « Court Toujours »

Un curieux couple

C’est un drôle de couple que le festival « Court Toujours »va accueillir à Beaulieu. Des mangeurs d’enfants vont investir la place de la Mômerie. Devinez qui aura le plus peur, des parents ou des enfants…

Passés au Festival des Expressifs il y a trois ans, le couple à la vie comme à la scène de la Cie « Makadam Kanibal » revient à Poitiers pour dévorer le festival « Court Toujours ».
Dans le spectacle, Elodie Meissonnier et Jean-Alexandre Ducq sont un couple de cannibales qui arrêtent de manger des enfants, du moins qui essayent de changer malgré les tentations, telle une maladie qui consume de l’intérieur et dont on ne peut s’échapper. Jean-Alexandre Ducq précise qu’il s’agit d’« une histoire d’amour, entre un consanguin et sa femme enceinte, dans laquelle l’un ne va pas sans l’autre avec peu de paroles qui restent de l’ordre des gémissements et des mots mâchés ».
Le spectacle est visible à tout âge. Jean-Alexandre Ducq juge important de faire un travail sur la peur très jeune « pour le mental, pour se construire ». Car beaucoup trop de spectacles protègent les enfants, il souhaite justement « ne pas mentir aux enfants par une volonté d’afficher une réalité crue ».

Attraction répulsive

Le spectacle s’inspire des expériences du couple. Ainsi, le contenu du spectacle rejoint l’expérience d’Elodie, qui s’est occupée d’enfants handicapés, « par la tolérance, l’acceptation de l’autre ». Le spectacle s’intègre également dans la thématique du festival par le fait que « les personnages du spectacle sont des êtres atypiques également et différents de la normale ».
Jean-Alexandre Ducq a commencé par faire la manche puis s’est mis à cracher du feu dans la rue où il a connu plusieurs situations. Il s’est mis au fakirisme pour connaître ses limites en commençant notamment par la performance. Selon lui, « l’amour et le fakirisme sont très liés car ce sont deux choses où l’on ne peut mentir ni tricher. Soit on accepte, on prend sur soi, soit ça ne marche pas ».
Provocateur de nature, il cultive le paradoxe de la répulsion et de l’attraction.
Depuis son précédent passage à Poitiers, le spectacle a voyagé en passant notamment par la Belgique, l’Espagne, la Slovénie, le Mexique ou encore la Jordanie. Le couple ne souhaite pas abandonner le spectacle qui connaît un franc succès mais en prépare toutefois un autre pour fin juillet à Annecy.

Jérémy VALLADON

A savoir : le spectacle sera visible dans le cadre du festival « Court Toujours », place de la Mômerie
- le samedi 7 juin à 20h40 et 22h20
- le dimanche 8juin à 17h30 et 19h20
Gratuit.

Qu'est ce que l'atelier d'écriture journalistique?

Quand les balles s'en mêlent

2008-05-26T03:27:00.000-07:00

Prenez trois balles, un jongleur et un programme informatique et vous obtenez le point de convergence entre deux mondes : le virtuel et le réel. Adrien Mondot, jongleur talentueux, nous invite aux confins de la frontière virtuelle et réelle et s’amuse à y perdre le spectateur. Il nous révèle un talent incroyable de jongleur face à une salle comble. Le silence de départ et la solitude de l’homme est rapidement rompu par l’irruption d’une balle et la musique qui se fait plus intense. L’artiste s’éloigne de la jonglerie classique en introduisant des balles virtuelles, grâce à la magie informatique. Enchaînant avec habileté les tableaux chorégraphiques, l’artiste nous embarque dans un univers où il est quelquefois difficile de le suivre. Orchestrées par les coups d’archer de la violoncelliste, les balles, loin d’être des accessoires, créent successivement des figures, des hommes, des vibrations. Le tout forme un ballet aérien et mystérieux entre l’homme et ses balles. Le jongleur se retrouve à la fois maître et victime, pourchassé par ces compagnes de jeu elles-mêmes qui le prennent pour cible. Adrien Mondot et la violoncelliste, Veronika Soboljevski, se retrouvent comme pris au piège de leur propre symphonie, tentant de garder le contrôle puis finalement se laissant porter par les créations des balles. Ce spectacle visuellement magnifique et déconcertant est à la fois une prouesse physique et également technique. On embarque ou non dans ce jeu de jonglerie qui a parcouru le monde pour faire découvrir une autre vision de cet art, où les balles se suffisent à elles-mêmes et volent seules.

Julie Sicot / atelier d'écriture journalistique

Atelier d'écriture journalistique de Court Toujours

2008-05-26T00:34:00.000-07:00

7 jeunes journalistes en herbe ont rejoint la préparation du festival Court Toujours pour couvrir les spectacles programmés.

Ils ont rencontré et eu des entretiens téléphoniques avec certains des artistes pendant le stage encadré par Marion Valière Loudiyi (journaliste professionnelle) des 22 et 23 mai et nous livrent leurs avant papiers, sous forme d'article ou d'interviews.

Sont disponibles en ligne:

- Makadam Kanibal pour Le Cirque des curiosités ( ici et là ou encore là)

Bientôt disponibles:

- Anne Courpron pour N'ayons pas peur des mots
- Anne Théron et Claire Servant pour Abattoir
- Achille Grimaud pour Le Rire du Roi

Makadam Kanibal

2008-05-26T00:27:00.000-07:00

ARTS DE LA RUE – La compagnie Makadam Kanibal présentera son Cirque des Curiosités à Court Toujours le 7 et 8 juin

Le paradoxe de l’amour cruel

Jean Alexandre Ducq, qui appartient à la compagnie Makadam Kanibal, est des créateurs du Cirque des Curiosités. Il nous livre quelques secrets de cet étonnant spectacle avant qu’il ne soit présenté, gratuitement, au festival Court Toujours le samedi 7 juin et le dimanche 8 juin à Beaulieu.

Court Toujours : Makadam Kanibal c’est assez effrayant comme nom de compagnie ! Votre spectacle est-il dévorant ?
Jean Alexandre Ducq : Le nom de la compagnie correspond à la description même du spectacle : nous sommes des cannibales et nous adorons manger les petits enfants. C’est une véritable drogue : nous essayons de nous contrôler et d’arrêter mais nous n’y parvenons pas et nous rechutons.

Votre spectacle devrait peut-être être déconseillé aux jeunes enfants et aux personnes sensibles ?
Absolument pas, le Cirque des Curiosités est ouvert à tout le monde. Mais le regard porté sur la représentation est différent selon que l’on soit un enfant ou un adulte. Finalement, les parents réagissent mal et sont plus choqués que les jeunes. On a voulu délibérément travailler sur la peur des enfants, leur faire voir la vie et ses horreurs, les sortir de leur carcan. Notre spectacle n’est pas plus violent que le Petit Chaperon Rouge ou les contes de Perrault !

Comment se présente votre Cirque des Curiosités ?
C’est une histoire d’amour cruel, l’un ne va pas sans l’autre. Il n’y a pas beaucoup de paroles, seulement des gémissements et des mots mâchés. Mais je laisse aux gens le choix de définir eux même ce spectacle.

Vous avez une formation assez atypique : vous avez fait du body art, du body suspension, ect. Tandis qu’Elodie Meissonnier s’occupait d’enfants handicapés. D’où est venue l’idée de collaborer ensemble sur ce projet ?
Cela s’est fait tout naturellement et s’est imposé comme une suite logique. Nous avons débuté par la performance pure. Mais cette fois on a choisi de raconter une histoire et de la mêler à des techniques de fakirs. Le travail d’Elodie a été nécessaire à l’élaboration du spectacle et souligne la nécessité d’être tolérant, d’accepter l’autre et ses différences.

Pourquoi rapprocher une histoire d’amour de ces techniques assez sauvages voire monstrueuses ?
Que ce soit l’amour ou le fakirisme, c’est la même chose. On ne peut ni tricher ni mentir. Soit on prend sur soi pour faire en sorte que cela fonctionne, soit on abandonne. On a cherché à travailler sur le paradoxe de l’attraction répulsion.

Vous devez susciter plusieurs réactions différentes dans le public…
Oui, certaines personnes n’hésitent pas à quitter la salle pendant la représentation. Mais c’est aussi cette interaction que l’on cherche : c’est un spectacle de rue dans lequel le public, l’environnement et l’extérieur participent.

Votre spectacle connaît un véritable succès : depuis quand tournez-vous et où avez-vous joué ?
Cela fait trois ans qu’on se produit dans toute l’Europe, en Jordanie, au Mexique, etc.

Avez-vous de nouveaux projets ?
Oui, on prépare une nouvelle création à Annecy en juillet.

Une dernière curiosité de notre part : Elodie Meissonnier et vous êtes-vous un vrai couple ?
Oui, à la vie comme à la scène.

Propos recueillis par l’équipe du festival Court Toujours

Qu'est ce que l'atelier d'écriture journalistique?

Makadam Kanibal

2008-05-26T00:23:00.000-07:00

ART DE LA RUE – La compagnie Makadam Kanibal présentera le seul spectacle gratuit et en plein air du festival Court Toujours 2008, Le Cirque des Curiosités.

Méfiez-vous des cannibales

Les acteurs de la compagnie Makadam Kanibal, Jean Alexandre Ducq et Elodie Meissonier se sont livrés à nous dans une interview téléphonique, sans langue de bois et sans détours. Voici l’histoire d’un spectacle qui fait rire les enfants et choque parfois les plus grands.

« Moi j’ai commencé en faisant la manche avec la main» nous dit Jean Alexandre Ducq. Et puis il nous raconte ses découvertes, de cracheur de feu à fakir. Il insiste sur son expérience de la « body suspension » : « je me suis mis quatre crochets dans le dos et on m’a soulevé ». Mais après ses premières élévations corporelles, ce personnage s’est rendu compte que ce n’est pas tant la performance qui fait la force des choses. Il a alors préféré s’essayer au contrôle de soi, d’où sa passion pour le fakirisme. Et puis un jour sa route a croisé celle d’Elodie Meissonier, curieuse de toute forme de communication et humaniste convaincue, notamment dans son travail auprès d’enfants handicapés. A partir de là ces deux électrons libres sont passés du statut de « gens atypiques à un couple atypique », à la scène comme à la vie. Et à deux les idées fleurissent plus vite. Cela fait déjà trois ans qu’est né leur Cirque des curiosités. Armé d’un langage universel, celui des gromolos et des gémissements, ce spectacle a déjà parcouru toute l’Europe et s’est également promené du Mexique à la Jordanie.

N’oubliez pas vos enfants

Pourtant cette représentation de rue ne fait pas toujours l’unanimité. « Il y a toujours une ou deux familles qui partent, la croix ballante », nous confie Jean Alexandre. La représentation est en effet un jeu, toujours entre répulsion et attraction, sur fond d’amour cruel, « car on ne peut pas mentir », et de cannibalisme suggestif. Pourtant les protagonistes ne déconseilleraient pas leur création à des enfants. Ces derniers sont trop protégés selon eux et de toute façon les contes de Perrault ou du Petit Poucet ne sont pas tendres non plus avec nos chérubins. Alors faisons confiance à ce Cirque des curiosités, conservons ses divers niveaux de lecture possible et n’ayons pas peur de ces fakirs, jongleurs de haches, quelque peu bourrus et pourtant si vrais dans leurs sentiments.

Sarah Maquet

Le Cirque des curiosités sera en représentation
les samedi 7 juin à 20h40 et 22h20 et dimanche 8
à 17h30 et 18h20, place de la Mômerie à Beaulieu

Qu'est ce que l'atelier d'écriture journalistique?

En plein dans le mille!

2008-05-26T00:08:00.001-07:00

Projecteurs éteints, une silhouette que la solitude semble déchirer apparaît. C’est bien lui, Adrien Mondot, à la tête de ce magnifique spectacle, à la fois metteur en scène et interprète. Initialement chercheur en informatique, il mêle avec brio la technologie et l’artistique avec un jeu d’illusion où le réel côtoie l’imaginaire.
Convergence 1.0 est le genre de spectacle qui vous surprend par son paradoxe. A la fois réel et virtuel, à la fois simple et complexe mais où la frontière entre les deux n’est jamais bien grande. Spectacle du jongleur qui dissimule sa solitude derrière un jeu de balles illusoire ou spectacle de l’informaticien pris au piège par la technologie et qui se renferme sur lui-même? Convergence 1.0, c’est tout ça à la fois, une perpétuelle dualité où le spectateur lutte pour distinguer le vrai du faux, les vraies balles des fausses ; en vain, car l’illusion est grande, troublante… Très vite le spectateur se trouve entraîné dans la danse qui lie l’artiste et sa balle dans une harmonie passionnelle. Il n’y a alors plus de place à la réflexion devant un tel schéma poétique où tout est possible. La balle devient ainsi partenaire de danse sur une musique de Véronika Soboljevski et la solitude semble peu à peu disparaître.
Comment ne pas évoquer la musique, étudiée pour suivre les mouvements fluides de l’artiste et les caresses du jongleur sur ses balles ? Un simple violoncelle qui devient pourtant délice pour l’ouïe.
Tout y est. Mondot est une balle rare, du gros calibre. A croire que tous les avis ne peuvent que converger devant un spectacle aussi réussi et original.

Samia Hasnaoui / Atelier d'écriture journalistique

Convergence vers l'illusion

2008-05-26T00:05:00.000-07:00

Convergence 1.0 est un spectacle d’une heure où le jonglage et l’informatique sont au centre de la prestation. Adrien Mondot utilise ces deux matières pour une création inédite et surprenante, accompagné à la musique par Véronika Soboljevski.

Adrien Mondot est en scène, seul face au public. Tout d’un coup, il s’agite comme un fou incapable de contrôler les mouvements de son corps. Puis cette solitude se rompt, une balle de jonglage apparaît, puis deux, trois, etc, et des balles imaginaires se mêlent à ces dernières. Peu à peu le spectateur se perd dans l’ambiguïté entre le virtuel et la réalité. Toutes ces balles réagissent aux pressions du corps du jongleur et à son souffle. Un véritable affranchissement des contraintes corporelles est possible grâce à l’intervention de l’outil informatique. Les balles de jonglage prennent vie et établissent un dialogue et une danse avec le jongleur. Ainsi une réelle harmonie se dessine. Une violoncelliste est tapie dans l’ombre et sa musique suit étroitement la gestuelle du jongleur. Pour clore le spectacle, Adrien Mondot passe de l’autre côté de la toile, il est devant nous en pleine lumière ; désormais il n’y a plus rien qui s’interpose entre lui et son public. Il nous livre ses derniers tours avec des balles transparentes qui reflètent la lumière. Elles semblent léviter dans l’air. Les doigts du jongleur et les balles semblent ne faire plus qu’un.
Ce spectacle féerique et magique plaît à coup sûr aux petits et aux grands. Trois éléments essentiels en constituent la trame et contribuent à rendre encore plus vraie l’illusion : les balles de jonglage, la musique et le jeu des lumières. Néanmoins pour qu’elle soit totale, le spectateur devrait plutôt s’installer en face de la scène. En étant assis sur un des côtés, les tours sont plus visibles et le spectacle perd de sa magie et de son charme. Convergence 1.0 est bien plus qu’un numéro de cirque ou de prestidigitation. Cette représentation offre un subtil mélange de réalité et d’illusion, de compétence humaine, artistique et informatique.

Stéphanie Delaitre / Atelier d'écriture journalistique

Balles et illusion

2008-05-23T06:24:00.000-07:00

Comment mettre la technologie au service de la poésie ? Convergence 1.0 nous donne une piste : tout d’abord placer un voile clair sur le devant d’une scène. Puis installer un homme à l’arrière de cet espace. Un personnage silencieux, doué pour la danse et la jonglerie. Enfin inclure une violoncelliste et laisser la magie opérer. Les tableaux s’enchaînent alors. Adrien Mondot danse et devant lui apparaissent des balles, images projetées et pourtant si réelles. Rapidement on ne sait plus où se situe la frontière entre le concret et la représentativité. Comme le danseur semble parfois prisonnier d’un halo de lumière il paraît également dépassé par ses balles. Lui qui donne la vie a trois d’entre elles, se retrouve le pantin d’une myriade de projections lumineuses envahissante. Mais même menacé l’homme s’adapte. Il se saisit de ce monde virtuel, tente de le contrôler, toujours épaulé par la musique. A des instants le spectateur croit la bataille perdue. Quand, par exemple, l’illusion met en mouvement des personnages formés de balles et que le danseur paraît impuissant devant cet inquiétant ballet. Mais l’univers onirique et merveilleux de ce spectacle vient surtout du jeu perpétuel entre l’être et le crée. Notre œil, habitué à sa vision classique du monde est submergé par tant de rebondissements.
Alors un conseil : laissons-nous tous illusionner par Adrien Mondot, sans tomber dans une recherche excessive de compréhension. N’oublions pas que la magie vient toujours en premier lieu de notre capacité à la laisser nous séduire.

Sarah Maquet / atelier d'acriture journalistique de Court Toujours

Convergence 1.0 ou l'autre réalité

2008-05-23T06:21:00.000-07:00

Un homme assis, seul, dans le silence et l’obscurité. Une pluie de balles, beaucoup de balles. Des mouvements du corps et des atmosphères sonores se succèdent. Convergence 1.0 nous transporte du calme à l’angoisse, de l’envoûtement à la peur, du réel à un autre réel informatique et lié. Liés comme le sont les éléments qui convergent devant nos sens en éveil. La bande sonore et le violoncelle servent tour à tour ces ambiances allant du pizzicato tranquille à des sons grinçants et dérangeants. Adrien Mondot joue avec ces balles, les appelle, en perd le contrôle, les fuit puis reprend le dessus. Tantôt plumes, tantôt insectes, l’interaction est belle. Le spectacle est rythmé de silences et de sons, d’ombres et de lumières, de mouvements et d’arrêts sur image, et le public tressaille d’exclamation de surprises en rires.

Le trait marquant de la création est la rencontre d’éléments numériques avec une jonglerie en harmonie avec le corps du danseur. Alors, fort de notre assurance, on se dit qu’on sera assez doué pour distinguer le virtuel du réel. Oui mais voilà, à un moment au moins, on doute. Pour les balles blanches on est sûr, ce sont des vraies ! La preuve : on a entendu du bruit lorsqu’elles ont rebondit. Et encore, si on se méfie vraiment, on pourrait bien attribuer l’effet à la bande son. Mais les balles transparentes ? Celles en verre, ou même, en cristal, elles sont vraies ou pas ? Nos yeux nous jouent des tours, et l’habileté technique de l’artiste défie la pesanteur. On est à la limite du domaine magique, les balles apparaissent, disparaissent, lévitent. Le vrai et le faux se confondent et nous perdent. Une partie des questions trouve des réponses, mais la confusion reste intacte sur certains points et la magie opère.

Pour profiter pleinement du spectacle, une vision de face est préférable, évitez-les côtés de la salle, mais ne manquez pas ce rendez-vous !

Amélie Rolle / atelier d'écriture journalistique de Court Toujours

Dans l'esprit d'une balle

2008-05-23T06:17:00.000-07:00

Un homme seul apparaît, l’air désemparé, tentant de vouloir maîtriser des pulsions qu’il ne peut contrôler. Tel un électron libre, une balle lui surgit, puis deux, puis trois… Ces balles nous invitent dès lors, par l’intermédiaire d’Adrien Mondot témoignant d’une légèreté à fleur de peau rendue par une souplesse de la gestuelle, à nous évader et à nous plonger dans un monde où de multiples possibilités et combinaisons s’offrent à nous.

Avec des références au jeu vidéo, à l’informatique et à la science fiction, ce spectacle nous apporte une dose de fraîcheur en combinant art du cirque et effets numériques par un système de jonglage virtuel. Une musique lyrique jouée au violoncelle par Véronika Soboljevski ajoute une autre interaction avec les balles virtuelles qui semblent prendre vie et évoluer au fil des variations musicales, créant une véritable chorégraphie virtuelle.

Nos sentiments sont menés là où les balles souhaitent les mener, de la douceur à la folie en passant par la peur aux limites du cauchemar et de l’angoisse. On finit par se perdre entre la réalité et le virtuel, le faux et le vrai. Cette transcription scénique déroute le spectateur mais avec une qualité de la chorégraphie et de la musique qui nous accrochent jusqu’au bout.

Jérémy VALLADON / atelier d'écriture journalistique de Court Toujours

L'atelier d'écriture journalistique

2008-05-22T02:28:00.000-07:00

L'atelier d'écriture journalistique de Court Toujours a commencé aujourd'hui et se poursuit jusqu'à demain soir.

Il est encadré par Marion Valière Loudiyi, journaliste à Centre Presse.

Afin de s'essayer à la critique de spectacle, ils vont tous voir Convergence 1.0 ce soir, programmé à Beaulieu également les vendredi 23 et samedi 24 à 19h30 et dimanche 25 à 17h00.

Demain vendredi sortiront donc sur ce blog les premiers papiers de ce groupe de journalistes en herbe qui suivront Court Toujours d'un oeil critique...

un groupe à suivre pour Court Toujours...sur ce blog.

Myriam.

Une table thématique à la médiathèque

2008-05-20T01:25:00.000-07:00

Court Toujours, le festival de formes brèves, est placé cette année sous le signe du « monstrueux ».

Une programmation qui présente des monstres en tous genres, difformes, spectaculaires, fantastiques,
ou monstres du quotidien, ordinaires,

métamorphosés, hybrides, surnaturels,
extrême laideur, beauté sublime,
êtres transfigurés, transformés, transsexuels, transcendés vers d’autres sphères…

Des spectacles qui réveillent nos angoisses, peurs enfouies, peur du monstre qui est en chacun de nous, étranger effrayant, inquiétante étrangeté.

…monstres d’hier et monstres d’aujourd’hui, monstres à montrer et monstres à cacher…

…

A partir du 26 mai vous trouverez une sélection d’ouvrages qui concernent la thématique du monstrueux, à la médiathèque de Poitiers.

Monstrez-vous les 6, 7 et 8 juin à Beaulieu !

Abattoir: photographies

2008-05-19T00:41:00.000-07:00

photos: Fred Rouvray

2008-05-13T00:35:00.000-07:00

photo: Anaïs Gerbaud

2008-05-13T00:33:00.000-07:00

Photo: Anaïs Gerbaud

Paradoxes

2008-05-13T00:23:00.000-07:00

Jeudi 8 mai (14h30)

Début du spectacle, on est tout de suite mis dans l'ambiance. Si on n'a rien lu sur ce qu'on va voir, on sait bientôt que c'est l'usine et non un lieu de vie qui est mis en scène. Ici on ne vit pas, on tue. Les bêtes meurent, les hommes survivent, résistent.
Dès la première seconde l'ambiance est là. Atmosphère pesante, lourde, met mal à l'aise. On est oppressé par la respiration amplifiée des personnages, leur souffle pesant. Un souffle de vie muet mais qui hurle la monstruosité de l'abattoir.
Depuis la dernière fois des bruits d'usine, grinçants et effrayants ont été rajoutés. Ils amplifient encore la violence du spectacle.
Beauté plastique, photographies à saisir dans l'instant, dans la dynamique des mouvements des comédiens, dans la fluidité du texte… Cassants, saccadés, les mots sont pourtant douloureux, la vie à l'usine est routine mais chaque mot il faut le sortir, en exorciser la souffrance, le prononcer. Comme chaque mouvement de la chaîne d'abattage le mot est dur, répétitif mais pénible. Chaque fois il est plus difficile. Alors parfois il faut aller au-delà du monocorde, parfois on ne peut retenir le trop-plein, rester un robot, "des bras et des jambes", et alors on se révolte, on explose, on se vide, on passe de l'autre côté, "du côté des ouvrières"… Alors on craque, comme les corps et les articulations, qui n'en pouvant plus de subir, craquent aussi.
Le travail de comédien est incroyable: une parole, des mouvements étrangers au départ sont si bien intégrés dans les membres et dans la bouche qu'ils sortent naturellement, sans effort. On ne voit que les personnages.
Lorsqu'Anne Théron fait travailler les saluts, elle insiste sur les faisceaux, le rectiligne, le cadre mécanique, industriel à tenir jusqu'au bout. L'usine c'est ça: des machines, des hommes-machines qui résistent et finissent par redevenir humains, dans la douleur. A l'abattoir même les bêtes crient, gueulent pour ne pas devenir de simples objets, pour que les hommes ne se transforment pas en machines à tuer.
Paradoxes… A mi-chemin entre bestialité et humanité, transgression de la condition,
transgression entre la vie et la mort, agression de la chair…
Paradoxes, entre la folie des cadences, la vitesse toujours accentuée des mouvements et de la lenteur du jeu et des corps mus. Comme s'il fallait mettre cette vie au ralenti pour la saisir vraiment dans son horreur…
Paradoxes entre la douleur et la gaieté des musiques choisies… Ironie ou exutoire?

Auteur-témoin: Anaïs Gerbaud

C'est ça qu'est terrible avec les adultes...

2008-04-22T07:47:00.000-07:00

...c'est de voir à quel point c'est des enfants qui ont arrêté. Arrêté de dessiner, arrêté d'écrire, arrêté de chanter, arrêté de jouer, arrêté de regarder, arrêté d'associer, arrêté tout...

Le problème, c'est la famille. L'organisation sociale fondée sur la famille. Le mariage. Au lieu de l'individu. Et l'hétérosexualité comme régime politique, comme dit Monique Wittig.

Bon, un peu d'histoire. Dans l'ancienne société, la société de castes, fondée sur la naissance, la société aristocratique, féodale, royale, etc. il y avait, quoi? 98% de paysans. Une bourgeoisie minime. Une aristocratie double, guerrière, liée au corps, et civile, de robe, de parole, les scribes nécessaires pour faire marcher une petite machine d'État, et qui, bon, sont coupables de l'univers ignoble dans lequel nous nous trouvons, puisque ce sont eux qui ont fait prévaloir le discours sur le réel, l'esprit sur le corps, etc.

L'ancien régime était un cauchemar, mais c'était un cauchemar physique. Après ça, c'est le 19e siècle, construit sur l'utilisation de ce qu'on va appeler la classe ouvrière, c'est vraiment le siècle de l'immoralité, de l'homme (vu comme) moyen et pas fin. Et les moyens, on les met puisque l'Occident se recouvre d'usines et de cités ouvrières où tout est fliqué, moralisé, administré. Bon.
Dans ces conditions, le nazisme et les années 50 peuvent et doivent être analysés comme le double aboutissement du rêve de civilisation de la bourgeoisie chrétienne européenne. Dans le nazisme, il s'agit d'un côté, de maintenir la masse dans l'ignorance, puisque telle est la condition du pouvoir sur elle, et de l'autre, de créer une sur-classe, sur-humaine. Alors ça, évidemment la bourgeoisie du 19` siècle ne s'y était pas tellement collée, vu qu'elle avait préféré cultiver son gros bide que de créer une surhumanité sportive, sauf en ce qui concerne la bourgeoisie anglaise, mais la bourgeoisie anglaise a des liens très particuliers avec l'aristocratie qui lui a légué une culture de la guerre remodelée sous forme de culture du sport.

Bon, bref, on s'en fout. Tout ça pour dire que, bon, les années 50, c'est aussi le nazisme, c'est un ordre policier et totalitaire, un ordre moral, c'est-à-dire que tout le monde est bien sage, à l'école, à l'usine, au bureau, à la messe, le dimanche, et que rien, rien ne bouge. Les fous, on les enferme, et comme ça, on n'a pas de problème.

Guillaume Dustan
extrait de Génie Divin, 2001

POURQUOI DONC J'AI POSTE CE TEXTE?

Je me suis posé cette question quelques jours après l'avoir mis, alors je dois retrouver le lien obscur qui pendant un instant a éclairé mon esprit pour que je le mette en rapport avec le spectacle de Steven Cohen, DANCING INSIDE OUT.

C'est la rencontre avec cet écrivain, Guillaume Dustan, qui m'a fait penser au travail de Steven Cohen. Tous deux sont replacent leur homosexualité dans une lutte politique. Tous deux considèrent leur intimité comme politique. Tous deux recherchent l'anti-conformisme et la provocation, pour faire avancer les idées.
Venant de Wharhol, de Duras, de Céline, Guillaume Dustan a expérimenté et inventé des formes où littérature et vie s'entremêlent.

Merde à la dictature du Vrai Roman, dans sa version de droite (classique avec un héros jeune et beau), ou de gauche (expérimental avec des chaises), analogon dans le ciel des idées de la dictature hétérosexuelle réelle. (...) Moi aussi j'avais essayé de faire de la Vraie littérature. Echec total. Alors que je n'arrivais pas à comprendre ma propre vie, comment est-ce que je pouvais passer mon temps à raconter celle de gens que je ne connaissais même pas.
Guillaume Dustan, Nicolas Pages.

Myriam Prévost

Personnalités kaléidoscopiques

2008-04-22T07:08:00.000-07:00

"Le métissage des arts est aujourd’hui largement répandu, voire généralisé. Il devient une source de créativité, et d’une certaine façon l’essence de cette exposition contemporaine des corps. […]

Il nous est apparu que les créations contemporaines donnent à voir « l’inquiétante étrangeté » des corps, quelque chose de l’ordre de la barbarie, c’est-à-dire ce qui stigmatise notre peur de l’Autre, le différent, l’étranger, le monstrueux.

En effet, la spécificité de cette gestuelle contemporaine consiste à dévoiler plusieurs univers dans un même corps et reformule à sa façon cette grande question : comment ces êtres « barbares-inarticulés » que nous sommes, dans une tentative souvent dérisoire, s’emploient-ils à reconquérir leur unité perdue ? Les mises en scène des corps jouent avec les différences morphologiques en perturbant nos attentes quand à l’apparence : elles orchestrent l’altérité radicale, ce qui me coupe de l’Autre, ce qui le rend étrange et donc étranger.

La création artistique renvoie l’artiste à une mise en abîme et apparaît alors en scène une tentative de définition d’une identité complexe. Prenons comme exemple la démarche des circassiennes contemporaines : celles-ci questionnent et récusent la définition « traditionnelle » de la femme et de son rapport au masculin, ce qui en fait leur motif principal d’engagement artistique. […]

Le cirque traditionnel donne à voir des corps hypersexualisés, comme ceux des artistes femmes dans les spectacles d’Arlette Gruss : elles portent talons hauts, string et adoptent une posture toujours identique valorisant leur plastique. […]

Dans le cirque contemporain, par contre, la complexification de la construction de l’identité féminine se manifeste par l’émergence de nouvelles formes issues d’un métissage des genres masculin et féminin : l’androgyne et l’hermaphrodite. […]

Les productions de cirque « contemporain » donnent donc à voir des corps différents, des corps débordants, reflets de personnalités kaléidoscopiques. […]

Le cirque contemporain, créateur d’images nouvelles devient le théâtre d’expressions personnelles, où les circassiennes s’émancipent de l’ordre institué et transmis dans le cirque traditionnel, questionnant et récusant une définition univoque de la féminité et de son rapport au masculin.

De même, en danse contemporaine, le corps convoqué n’obéit plus à l’injonction d’un corps classique idéal, maîtrisé et triomphant, sorte de marionnette virtuose, mais il se fait l’écho de nos interrogations contemporaines sur le masculin-féminin, les souffrances de la sexualité, la vie/la mort, le sérieux et la drôlerie, l’indifférence et la différence.

La danse contemporaine fait varier nos mises en scène identitaires en autorisant l’expression des valeurs antagonistes qui nous fondent. Le danseur peut alors expérimenter l’Autre en soi en fouillant dans la « pluralité de ses masques » (Caillois R., 1950) pour mettre en scène l’ambiguïté et la pluralité des êtres qui nous habitent : l’androgyne (être ni homme ni femme), l’hermaphrodite (être homme et femme à la fois), le monstre (mi-homme, mi-bête), le démoniaque (mi-dieu, mi-homme). "

Betty Lefèvre et Magali Sizorn
Métissages dans les productions circassiennes et chorégraphiques contemporaines (Extrait)

texte en entier disponible ici

Quelques diversions sur l'art sonore...

2008-04-15T09:01:00.000-07:00

Toutes les influences que je placerai sous l'appellation d’Art sonore, se regroupent, se dégroupent, se croisent, se construisent les unes en rapport avec les autres, voudraient déconstruire les autres, s’opposent et se lient, se transforment, se multiplient et se reproduisent entre elles…
Bon alors concrètement, c’est quoi l’Art Sonore ?
Ces mots, désignations de sous-genre, courant, mode, recherches, peuvent déjà résonner chez nous :

En vrac : poésie sonore, musique concrète, musique industrielle, musique bruitiste ou noise pour les anglophones (mais est ce que ça désigne bien la même chose ?), musique acoustique, électroacoustique, musique acousmatique, sérialisme, création radiophonique, musique électronique, le paysage sonore (field recording), musique contemporaine, musique expérimentale, installation sonore, sculpture sonore… et les anglophones aiment à parler d’ « avant-garde ».
Bon ça complexifie peut-être les choses, d’accord.

L’art sonore est un genre qui flirte avec les frontières de la définition courante, reconnue de la « musique », et qui brouille les pistes. La musique n’est pas forcément quelque chose d’agréable à l’oreille, puisque la définition même de l’agréable diffère selon les individus. La musique ne contient pas en elle-même une structure ou des codes. Tout est donc permis. Tout ce qui peut être entendu, peut être placé sous un traitement musical, ce qui signifie : enregistré, amplifié, pointé, cadré : entre le réel et le récepteur, il y aurait un média. Un dispositif qui semble « montrer », en tous cas, « faire écouter » ce son. Le bruit d’une voiture reste celui d’une voiture quand rien ne le met en avant. Si on l’amplifie, si on le retransmet, en direct ou non, à l’aide d’un dispositif technique dans un endroit où il est improbable d’entendre une voiture, alors ça deviendra un son.

Donc l’art sonore s’est beaucoup inspiré des sons de notre environnement réel. De la poésie des mots. Des sons autres que ceux d’instruments classiques. Des sons électroniques. Il cite, il colle, monte, inverse, met en boucle, transpose, détourne, échantillonne, compresse, gèle, réverbère, produit des échos, des délais, des filtrages, mixe, accumule.

Mais c’est plutôt bien de découvrir l’art sonore en écoutant aussi : John Cage, Pierre Schaeffer, Pierre Henry et Luc Ferrari dont j’ai déjà parlé sont les plus connus (et donc les plus vieux). Vous pouvez les écouter sur Ubuweb.

Pour Court Toujours nous aurons une création sonore en plein mouvement avec David Jisse, Jean-François Pauvros et Charles Pennequin, Ars Nova, Alexandros Markéas. Voir la programmation.

Myriam Prévost

La femme au sol

2008-03-31T01:28:00.000-07:00

La femme au sol. Au départ, une musique qui installe quelque chose de doux, répétitif, mélancolique. La femme entre en scène, avance vers nous, se déchausse, s'assoit et commence sa danse au sol. Toujours les mêmes mouvements, repris en quart de tour. Tout du long, elle parlera de la dureté de son travail à l'abattoir. Les problèmes physiques, les douleurs dues aux mouvements répétitifs du travail à la chaîne. La détresse morale dans un contexte où il n'existe pas d'autres perspectives de travail. Il y a quelque chose de captivant dans cette juxtaposition. Une femme d'une grâce presque lascive, au ton monotone, sans affect nous raconte un quotidien d'une grande rudesse. Ca s'installe peu à peu. D'abord on est pris par la musique, puis on entre dans le mouvement du corps, les mots nous bercent presque puis on entend. Notre estomac se serre peu à peu. On a froid . Ce qui se passe devant nous est terrible. C'est un être l'on broye. On ne sort pas intact d'abattoir.

Montage libre d'une séquence de "la femme au sol" à partir des répétitions d'Abattoir, création théâtre et danse, de Anne Théron et Claire Servant pour le festival "court toujours " à Poitiers en juin 2008.

réalisation: Emmanuelle Baud

L'os doit être à blanc

2008-03-31T01:21:00.000-07:00

Un mois est passé, exactement.
Les gestes sont aussi douloureux et je retrouve mes articulations douloureuses. L’habitude est prise : griffe, mort, saigne, la viande secouée de spasmes et de mots ne faiblit pas. Mais le mal est là encore, courbature sans queue ni tête, mélodie intime de la souffrance comme mode de vie, entre répétition et rythmes précis.
L’os doit être à blanc, la viande restera à la viande.
Esther a froid et sa voix monte les marches de la violence accumulée, jusqu’à l’os. Les deux autres épais ont leur texte non seulement dans la bouche mais aussi dans le corps, sans apprêt. Claire a sûrement tracé et poli chaque recoin, avec ses consignes en forme de questions. On sent que le cuir des mots colle au squelette du texte et des muscles, gaine bien ajustée qui se voit à peine. Encore quelques heures et rien ne sera visible de l’artifice comédien.
L’épure a fonctionné, le filage terminé réouvre les discussions. Les épais racontent leur voyage de trente minutes, tentant de dire encore, de vérifier, d’affiner le récit de leurs sensations, de commenter l’effet des consignes enfin validées par l’action. Au milieu des cigarettes qui se préparent, quelques rires et des colloques à petits groupes. Les spectateurs sont un peu nombreux ce soir, un peu plus que les témoins habituels. Il y aura du vin à boire.
Un mois plus tard, après du temps et du travail, Abattoir sent le dur encore mou par endroits, avec de petites flopés d’à peu près et des justesses en place, des presque sûrs. Le son se plie dans les bonnes encoches, rugit à propos, s’envole à temps. Nos regards de mouettes alignées dans les fauteuils du futur public sont pour ceux qui parlent, puis se parlent une fois le filage terminé. La grande cage blême des plastiques pendus a toujours sa teinte de méduse. En fait l’exacte couleur de membranes luisantes et fine de l’envers de la peau d’un lapin que l’on écorche. L’exacte couleur.
Et la pénombre douce qui gomme et arrondit allume des envies dans les mots échangés. Le théâtre s’éteint un peu jusqu’ à demain, quand les épais viendront rallumer les noirceurs du plateau en mille mots croisés, ordinaires révoltes, répétées, attendries.

Auteur-témoin: Denis Reserbat-Plantey

"Image magnifique"

2008-03-31T01:08:00.000-07:00

Vendredi 28 mars - 16h

J’arrive, réunion entre acteurs et metteurs en scène/techniciens.
Anne Théron parle d’une image magnifique créée par le personnage féminin, les rideaux de plastique blanc et le halo de lumière rouge. Je réalise alors que l’on peut relever plusieurs images, des images fixes, hors du temps mais dont une seule pourrait suffire à incarner LA beauté. Un spectacle est un ensemble, il peut être beau mais ces images sont ponctuelles et furtives, elles nous échappent aussitôt, ce qui les rend encore plus belles.
Des photographies belles absolument, d’une beauté si particulière dans cette mise en scène : c’est une beauté plastique, claire-obscure et froide, violente. Dans Abattoir la beauté est d’une violence qui nous abasourdit. Beauté, amertume, brutalité, pesanteur latente qui peut exploser à tout moment… L’horreur du texte, des histoires et subie par les corps se rend belle… ? C’est monstrueux me direz-vous… Oui c’est monstrueux parce que c’est beau, et c’est beau parce que c’est monstrueux…
Au moment où on en arrive à ressentir ça, on se surprend à
Avoir des frissons
Respirer profondément
Avoir envie de pleurer, crier
Envie de penser que ce n’est que du théâtre…
Finalement on choisit le doute, l’ambiguïté.

Auteur-témoin: Anaïs Gerbaud

Quelle idée de s'enfermer dans le noir quand le soleil brille!

2008-03-31T01:05:00.000-07:00

Quelle idée de s’enfermer dans le noir quand le soleil brille !
Aujourd’hui, c’était la dernière fois que je pouvais être témoin.
Beau mot que celui de témoin.
Spectatrice, certes mais aussi échantillon.
Et, tout autant, ce que la relayeuse passe à l’équipière suivante.
Cette fois, c’est la musique du texte, ses points d’appui qui m’ont le plus frappée.
Simples mots terriblement agencés au service d’un propos tout aussi terrible.
Quelle qualité d’émotion !
Que de travail pour en arriver là.
J’aimerais bien fouiller dans la corbeille à papier de Anne.
Ses tapuscrits recèlent sûrement des trésors.
Pour la scène, je n’aime que la beauté du texte ou plutôt la résonance qu’il éveille en moi.
Et ce texte résonne de plus d’une façon.
Il serait bon de pouvoir le lire ou l’écouter encore et encore.
Et si la mer autant que l’usine avait piégé Edith et Régis ?
Et si Christophe, une fois licencié, se vivait abattu comme une vache ?
Ou comme un maquignon envoyant des ouvrières – animaux à la tuerie?
Cet après-midi, ce fut un beau et bon moment.
« What a wonderful world », un peu de celui que Amstrong espérait pour les enfants qu’il voyait grandir.
Et pourtant…

Auteur-témoin: Danièle

Pronto!

2008-03-31T01:01:00.000-07:00

Pronto ! C’est la marque d’une des consoles dont se sert un technicien.
Et c’est ce que je fais : j’écoute, comme si mon téléphone avait sonné en Italie.
Et je regarde aussi.
Sur la scène, toutes les lames de plastique sont suspendues et forment une sorte de cage.
Un seul côté est libre : c’est celui qui nous permet de voir.
Du plafond tombe une lumière froide, dure, inhumaine.
Magique, le noir arrive avec le son.
Et, nous sommes de nouveau dans l’usine.
Puis tout s’arrête pour travailler la précision.
Précision du ton : « Descendre de plus en plus grave, plutôt que crier » dit Anne à Edith.
Précision de l’articulation : « Une boule, ce n’est pas un’e boul’ » dit encore Anne.
Précision dans l’expression du visage de Edith : « L’œil plus dur ». Toujours Anne, bien sûr.
Précision du temps : Claire compte avec ses doigts qui déploient un à un les secondes pour que Christophe ait le temps de disparaître.
Précision des gestes exécutés derrière les lames et que nous voyons par transparence, retravaillés avec Claire.
Claire et Anne, Anne et Claire, sans arrêt dans un duo pour toute la précision, la netteté possible.
Anne note sans arrêt pendant le filage.
J’aimerais bien lire une page de ce carnet, un jour.
Á force de voir travailler toute l’équipe, tout en étant prise par le spectacle, j’ai perdu de ma naïveté de spectatrice ordinaire et je note mentalement : « Christophe respire plus fort, Edith a l’œil plus dur, sa posture s’en modifie, Régis roule et tombe sans nuire à sa diction… ».
Et ça enrichit ma vision.

Auteur-témoin: Danièle
28 mars 2008

...calibré, pesant, poisseux.

2008-03-31T00:55:00.000-07:00

Vendredi 28 mars - 15h

Premier filage de la journée. Il y en a eu deux hier. Il y en aura encore deux aujourd’hui.
Maintenant c’est un spectacle calibré, pesant, poisseux. Une atmosphère lourde, oppressante, des scènes qui s’enchaînent de façon rythmée, un peu mécanique, des comédiens très cadrés. Les transitions d’une parole à l’autre se font essentiellement par le son et la lumière.
Du coup, ce que je préfère, c’est quand la musique s’allège, la voix suit, et laisse la vie rentrer sur le plateau. Un peu de distance avec le cauchemar ambiant.
La fin est belle. Le dernier texte d’Edith, Christophe qui lui répond, comme un dialogue enfin, et puis une voix intérieure qui monte, leurs voix à tous les deux, centrées, vivantes, profondes. L’émotion arrive, enfin. Avec la simplicité. Et un très beau travail sur le son, la voix de Christophe qui s’éloigne, et qui vient résoner en chacun d’entre nous, doucement relayée par « What a wonderful world ».

Auteur-témoin: Véronique H.

Chocolat, Abattoir et Louis Amstrong

2008-03-31T00:49:00.000-07:00

Jeudi 27 mars, 18h15-19h30 :

Tout a commencé le mercredi 26 mars. Tout juste sortie des agapes du week-end de Pâques, je me préparais à me replonger dans le dur univers d’Abattoir… ah…ben non…personne…bon, retour en arrière, on rembobine et même trajet le lendemain.
Je n’avais pas dit mon dernier mot ! Cette fois tout est là. Fin de journée ; tout le monde est un peu fatigué. On parle d’une chaise que personne ne voit et puis pose clope et gâteau au chocolat (j’apprends alors de source sûre que Claire fait des gâteaux au chocolat presque tous les jours et qu’ils sont terrrrrriblement bons). Bon, il faut se lancer dans le filage… Où est passé Christophe ? On le dit enfermé dans les toilettes, vraisemblablement un des pièges des coulisses. Claire et J-B se précipitent !... et Christophe surgit de derrière les lamelles de plastique provoquant un éclat de rire général. Bon, on y va…
…Bruits métalliques d’usine, frigo assourdissant, Joey Ramone ; douceur d’un petit jazz. J’ai des frissons quand Edith finit son texte comme un cri ! Tous les trois ont trouvé le ton juste, l’émotion. « and I think to myself…what a wonderful world… » chante Louis Armstrong. En fait, non...il n’est pas merveilleux pour tout le monde. C’est dur. Je tremble en pensant que tout ça est vrai.

Auteur-témoin: Alexandra Billon

Abattoir: photographies

2008-03-31T00:42:00.000-07:00

Photos: Anaïs Gerbaud

Immersion... Jeudi 27 mars

2008-03-31T00:35:00.000-07:00

Aujourd'hui, ça y est, je vois vraiment une partie du spectacle, avec les acteurs-danseurs, les lumières… Beaux effets de lumière: elle s'exprime tantôt sous une douche, tantôt en dehors. Un personnage est éclairé derrière un rideau. Je suis captivée, happée par ce qui se trame, je scrute, je passe mon temps à relever les effets recherchés. Ils paraissent toujours naturels au spectateur, et pourtant je sais qu'ils représentent des heures de travail…

Entre et autour de ces rideaux blancs,
Des corps meurtris, affligés de la souffrance de cet abattoir, au fond une souffrance unique transparaît, comme la lumière rouge qui perce derrière le rideau: animale ou humaine, il s'agit toujours d'un désossage, de carcasses lourdes et presque inanimées.
Les corps flanchent, la chair est blessée en son cœur, quand l'un reste debout c'est par révolte, explosion de haine. On se retrouve aussi affligé par cette masse trop pesante, cette sensation pénible. Une affliction au cœur, à l'âme et au corps que tous partagent: bêtes, personnages, spectateurs. Immersion dans la douleur exposée, elle éclate violemment au grand jour.
Les corps se relèvent mais
Les corps chutent à nouveau
Les corps se meuvent difficilement, dans les mouvements de danse on perçoit tout de même des résistances d'humanité. Perdue, retrouvée en partie…
Des corps titubent, vacillent... Ces personnages sont paumés, abrutis de cette monstruosité qui les blesse, les assassine peu à peu, marqués de transgression.

La monstruosité est bien là: des âmes qui perdent leur humanité, des esprits qui deviennent fous, des corps qui subissent la même douleur que les bêtes, sauf que les humains eux ne sont jamais abattus complètement, ils doivent se lever tous les jours pour aller à l'abattoir…

Immersion dans la monstruosité d'un abattoir…
Des corps humains et animaux mêlés, où l'abattage ne s'arrête jamais, il faut toujours couper "le cuir", gratter la peau, arracher la chair… Qu'y a-t-il derrière la chair, que reste-t-il dans les corps déjà mutilés?
Je m'extrais difficilement, je dois partir prendre mon bus, il faut vite se laver de cette noirceur, sortir de cette douleur.

Auteur-Témoin: Anaïs Gerbaud

Réglages techniques - Mardi 25 mars (10h, 13h45)

2008-03-27T01:29:00.000-07:00

Alors que les rideaux blancs sont installés au centre de la scène, l'équipe commence à s'agiter. Problèmes d'entrées et sorties de scène vite réglés, déplacements des pans de murs, tests de sons, musiques, lumières… Cette matinée -et toutes les autres, me confie Anne Théron- est destinée à la technique. Quand je reviens, tout n'est pas encore au point. D'abord des échauffements puis de longs tests de musiques et lumières. Je suis un peu frustrée: j'aurai vu si peu de choses aujourd'hui… Mais au fur et à mesure des changements sonores et lumineux, je me plonge dans une ambiance étrange, qui me semble bien être celle recherchée par "Abattoir". Je commence par relever les différents types de lumières: clair-obscur, blanche mortuaire, éclairages du sol, du haut des rideaux et de leurs chaînes… Je suis bercée par les variations d'intensité. Une sorte de lumière retient mon attention: jaune avec des percées rouges, projetée derrière les rideaux, serait-ce le sang de l'abattoir que l'on tente de dissimuler?
Quant aux musiques, je suis traversée par différentes émotions: si la première, un bruit de vagues me laisse plutôt indifférente, la deuxième me perturbe. Elle est tantôt prenante, tantôt monotone. Destructrice mais lente, des à-coups. Différents types de percussions mais un son mécanique, répétitif, envahissant. Assourdissant. Abrutissant. Annihilant. Avilissant. Abattoir…

La seule ambiance créée par les sons et les lumières en dit long sur le choc à venir devant le résultat final d'"Abattoir"…

Auteur-témoin: Anaïs Gerbaud

What a wonderful world...

2008-03-26T01:14:00.000-07:00

Le rideau de plastique blanc forme maintenant un U, fond de scène et côtés plateau. ¾ d’une boîte de quelques m².
Le noir, trois points de lumière dans la boîte. Dans ces points de lumière, les comédiens agenouillés, qui tombent au sol, se relèvent, retombent, dans un mouvement continu qui vient rythmer la parole. Régis parle. Du désossage des bêtes. De ses propres os qui trinquent.
Puis à nouveau, noir.
La lumière revient sur Edith qui se relève, sort péniblement en fond de scène, et reparaît à travers le rideau, éclairée comme une chanteuse de Music-Hall. D’ailleurs, on entend une musique. Douce, nonchalante.
Elle avance sur la scène, on la voit à contre-jour. Ça parle de blessures, encore. Puis Christophe enchaîne sur les cadences toujours plus effrénées, sur la « fuite en avant ». Il est derrière le rideau, flouté. L’ombre d’Edith est toujours en avant-scène, les cheveux dans le visage, les cheveux qui retombent sur le visage.
Le son : l’écho métallique des corps qui tombent, des respirations. Des gouttes d’eau. Les voix au micro, leur réverbe. Et, une fois le plateau nu, « What a wonderful world », la voix chaude et profonde de Ray Charles.

Trois tâches d’une faible lumière qui apparaissent dans le noir. Des silhouettes sombres qui se redressent, qui sont en train de se redresser. C’est d’abord leur dos qui est éclairé, puis leur tête, le crâne et enfin le visage. La tâche de lumière dessine le sombre des vêtements, la clarté de la peau. Trois silhouettes à genoux qui marquent un temps de suspension, mains sur les cuisses, regard droit et vide, avant de basculer encore, de plus en plus, jusqu’à la chute. Lourde et fatiguée. Et se relèvent, encore, à nouveau dos, tête, visage, lumière pâle sur la peau. Un bruit de fond bourdonnant, lourd, opaque. Le bruit des chutes, des chutes des corps sur le bois du plateau. La respiration et la voix, monocorde, qui accompagnent les corps.
Un halo sur les corps fatigués. Un halo sur la peau.

Auteur-témoin: Véronique H.

Alors je suis passé de leur côté

2008-03-25T01:38:00.000-07:00

Marcello Battaglia / répétitions d'Abattoir

Quelque chose de subtil, comme ça...

2008-03-25T01:32:00.000-07:00

Marcello Battaglia / 25-03-08

Claire, si on mettait trois douches?

2008-03-21T07:47:00.000-07:00

Répétitions d'Abattoir; Marcello Battaglia; 21/03/08

Réflexion sur le texte d'Abattoir

2008-03-14T02:37:00.000-07:00

Un mot que je souhaite ajouter à tout ce qui a été si bien analysé touchant la représentation, le son, l'éclairage, la gestuelle, le travail des acteurs. Je suis en plein accord avec tout cela. C'est le texte qui m'a intéressée, et la façon dont il est traité: le témoignage des ouvriers qui aurait pu rester documentaire -en quoi il existait déjà pleinement- devient ici texte proféré. Il devient objet littéraire par une diction mate, sans la résonnance exhaussée d'une émotion explicite; mais aussi par une diction déliée, classique qui déploie les paroles et les pose, entières, dans une respiration régulière et forte. On parlera de minimalisme, et c'est juste si l'on considère le travail d'épure et de stylisation qui aboutit à une telle force: comprimer le ressenti dans le discours pour qu'il se transmette et se libère entier dans l'intériorité du spectateur, lui impose que se lève en lui sa propre émotion. Alors, le texte, servi avec autant de respect, devient un lien actif entre ceux qui l'ont produit et ceux qui le reçoivent.

Nicole

"...ça fait des années, des siècles"

2008-03-13T01:19:00.000-07:00

Répétitions d'Abattoir; Marcello Battaglia; 13/03/08

Rendement, rendement, rendement...

2008-03-10T09:08:00.001-07:00

Répétitions d'Abattoir; Marcello Battaglia; 10/03/08.

Loup y es-tu?

2008-03-10T06:50:00.000-07:00

Pendant trois ans, entre 1764 et 1767, des meurtres ont été perpétués dans le Gévaudan, qui correspond à peu près à l’actuelle Lozère mais également en Ardèche, dans la Haute-Loire et le Cantal. Ces meurtres sont attribués à un animal mystérieux qui est rapidement baptisé « la bête du Gévaudan ».
Plus d’une centaine de personnes ont été tuées sauvagement : les cadavres sont retrouvés égorgés, décapités, déchiquetés.
De nombreuses études ont été menées pour identifier le mystère de la Bête du Gévaudan. Aujourd’hui l’énigme n’est toujours pas éclaircie.
Parmi les nombreux récits-témoignages de l’époque on peut lire :
« Une bête avec une très grosse tête, des flancs rougeâtres, avec une bande noire tout au long du dos, une queue très touffue, des pattes larges munies de grandes griffes. »
« On disait que la bête responsable de ce méfait était d’un autre monde, avait la taille d’un taureau, de grandes griffes dures comme de l’acier et des oreilles pointues ressemblant aux cornes du diable. Son poil était rougeâtre, avec une bande noire sur l’échine. »

L’hypothèse d’un gros loup ne tient pas debout car cet animal est bien connu des paysans de cette époque. On peut d’ailleurs constater qu’ils ne parlent pas d’un loup. Tous les zoologistes s'accordent à dire que le loup n'attaque pratiquement jamais l'homme. Bien au contraire, il le fuit. Bien que nous soyons au Siècle des Lumières, l’étude de la faune n’en est qu’à ses balbutiements. Aujourd’hui, on sait qu’aucun animal ne peut décapiter un homme. Il y a là une preuve évidente d’une intervention humaine.Des corps ont été entièrement déshabillés et des têtes n’ont jamais été retrouvées. A cette époque, on croit en Dieu mais aussi au Diable, aux sorciers et au loup-garou. Ces croyances « païennes » font partie intégrante du catholicisme. Dans un tel contexte où l’ignorance se mêle au mysticisme, la décapitation n’apparaît absolument pas étrange venant d’un animal.

A plusieurs reprises durant ces 3 ans, l’animal a été blessé. Il a été tiré soit à une certaine distance, soit à bout portant.Pourtant, il s’est toujours relevé pour s’enfuir. Ces faits ont bien sûr intensifié aux yeux de la population l’aspect démoniaque et surnaturel de la bête.

Notre peur de l’inconnu ne doit pas nous faire oublier que seul l’homme est capable de fantasmes pervers. L’animal se contente de tuer pour survivre et ne s’adonne jamais à des meurtres rituels quels qu’ils soient.

Les vieux démons ne sont pas près de mourir. L'arrivée de loups italiens dans le Parc National du Mercantour a provoqué une levée de boucliers de la part des éleveurs, chasseurs, etc., qui n'ont pas craint d'invoquer la mise en danger de la vie... humaine. Car une Bête monstrueuse, dans l'inconscient collectif, se profile toujours derrière les loups, avec lesquelles elle n'avait pourtant rien à voir.

Sources:
http://pagesperso-orange.fr/cryptozoo/
http://dinosoria.com/bete_gevaudan.htm
http://www.dark-stories.com/la_bete_du_gevaudan.htm

Abattoir, moments sonores du processus de création

2008-03-04T03:13:00.000-08:00

J'avais posé mon micro dans la salle, sur la table de travail juste à côté d'Emma, l'assistante d'Anne. Du coup, beaucoup de sons parasites, de plans sonores superposés brouillent l'écoute. C'est cela une répétition: des gens au travail, qui pensent à voix haute, qui cherchent, qui parlent en même temps, qui s'interpellent, qui montent sur le plateau, en descendent...et parfois on entend aussi ce qui ne devrait être perçu que par une seule oreille, en toute indiscrétion.

Auteur-témoin: Emmanuelle Baud

Pour écouter, c'est dans la colonne de droite

Passionnant! La Cryptozoologie!

2008-03-04T00:32:00.000-08:00

Mais qu’est ce que la cryptozoologie ?

Etymologiquement : mot formé à partir des racines grecques zoon (l'animal), logos (le discours), et du préfixe kryptos (caché) : si la zoologie est la "science des animaux", la cryptozoologie est donc, d'un point de vue étymologique, la "science des animaux cachés".

En fait c’est l’étude des animaux « inconnus », ou non classés par la science. Mais, vous allez me dire, comment peut-on étudier des animaux inconnus ? Car si ils sont inconnus c’est que personne n’a de spécimen « en chair et en os » sous la main. On a seulement des traces, des indices, qui mènent à une connaissance partielle, à des hypothèses, sur la nature de ces animaux.

Voici la définition de la Cryptozoologie selon Bernard Heuvelmans, grand docteur en zoologie du début du vingtième siècle, et inventeur de la cryptozoologie: L'étude scientifique des animaux cachés, c’est à dire des formes animales encore inconnues pour lesquelles sont seulement disponibles des preuves testimoniales ou circonstancielles, ou des preuves matérielles considérées comme insuffisantes par d'aucuns.

« En d'autres termes, l'étude des animaux dont l'existence, bien que controversée, peut être établie sur la base de preuves testimoniales (témoignages oculaires), circonstancielles (indices concomitants, etc.), ou même autoscopiques (que chacun peut voir) mais considérées comme insuffisantes par certains (fragments anatomiques par exemples). » (citation tirée de l’Institut Virtuel de Crypzoologie).

La Cryptozoologie est une science étrange, qui se base sur des suppositions et non sur des preuves reconnues par la science officielle. Elle étudie des formes de vie marginales, étrangères, non-conformes aux catégories pré-établies. Elle flirte avec l’imaginaire, elle tente de faire un lien entre la réalité et la fabulation populaire. Elle va au-delà des frontières entre les genres et les espèces et c’est ce qui est très intéressant pour nos recherches sur le monstrueux…

Institut Virtuel de Cryptozoologie

Abattoir: photographies

2008-02-29T00:27:00.000-08:00

Auteur-témoin: Fred Rouvray

Saisi au ventre

2008-02-28T00:30:00.000-08:00

Auteur-témoin: Emmanuelle Baud

Je suis arrivée, ce 22 février à Beaulieu, avec plein de matériel et aucune attente. Je me suis assise. Le travail était en cours. J'ai regardé puis très vite j'ai décidé de faire des photos et du son; Je suis restée jusqu'au bout sans voir le temps passer. j'ai enregistré l'ambiance , les chuchotements, les rires, les filages, les commentaires d'Anne vers les interprètes, les techniciens, les indications de Claire...un montage suivra. J'ai photographié aussi. Quelles images peuvent rendre compte d'une création en cours? celles du plateau? celles de la salle? Comment dire un processus en cours avec un médium qui fige l'action, le mouvement? Quand le sujet bouge la photo est floue; ce fut le cas de beaucoup des miennes. Je ne voulais pas de flash. Trop intrusif; alors les visages se brouillent, le mouvement devient trace. Les photos ci-dessus témoignent de cette alternance entre cliché documentaire, approche plastique, mise en scène du temps.
Ce qui est remarquable dans cette manière qu'ont de travailler Anne et Claire c'est qu'en 4 jours, elles font que le spectacle existe déjà.
On est déjà "saisi" non par la main, mais au ventre.
Eh puis je suis sensible à la forte plasticité du dispositif qui ouvre vers des "images" étonnement belles, sans être décoratives.
Vivement la prochaine session.

Luc Ferrari

2008-02-26T07:16:00.000-08:00

Pour écouter, c'est tout en bas

né en 1929, mort en 2005. Ferrari était un compositeur français de musique contemporaine.

Pour cerner le personnage, voici quelques extraits intéressants trouvés dans une biographie:

Il s'interroge sur cette première phrase ; d'abord 1929. Il a écrit de nombreuses autobiographies dans lesquelles il falsifiait les dates. L'écriture le rend fou, il ne faut pas lui demander ça. Et comme il n'osait pas se rajeunir il se vieillissait. Il y a donc des tas de fausses dates qui courent, cela l'amusait à l'époque. Maintenant ça l'amuse beaucoup moins ! Ensuite, né à Paris. Il s'interroge : être né à Paris ! Il se demande ce qu'il aurait été s'il était né dans le petit village de son père, en Corse. Il se demande ce qu'il aurait été s'il était né à Marseille, la ville de sa mère. Il se demande ce qu'il aurait été s'il était né en Italie, le pays de ses ancêtres. Et pour cela, il n'a aucune réponse.

Luc Ferrari a réalisé des travaux qui s'écartent plus ou moins des préoccupations musicales pures, et dont certains font appel à une rencontre entre branches diverses de ce qui pourrait être un même arbre, le problème étant d'essayer d'exprimer, à travers des moyens différents, des idées, des sensations, des intuitions qui passent ; d'observer le quotidien dans toutes ses réalités, qu'elles soient sociales, psychologiques ou sentimentales. Ceci pouvant s'extérioriser sous forme de textes, d'écritures instrumentales, de compositions électroacoustiques, de reportages, de films, de spectacles, etc...

Une interview, réalisée en 1998, extraits:

Que faisiez vous pendant les événements de mai 1968? Vous participiez?
J'enregistrais un peu! (Rires) J'allais dans les discussions. Je ne manifestais pas parce que je n'aime pas la violence. Les gens qui jettent des cailloux d'un côté sur d'autres qui jettent des grenades lacrymogènes, ça me plaît pas trop, alors j'étais un petit peu en dehors. Mais j'assistais aux choses, de loin.

Pensiez-vous que ça allait changer la réception de la musique contemporaine?
Musicalement, est-ce que ça a changé des choses..? (Pause) Je pense que notre génération a précédé ce mouvement-là. Il n'est pas né tout seul–il est né d'une réflexion sociale/politique/philosophique que nous avions faites, nous. Cet espèce de désir fantastique de liberté s'exprimait déjà dans nos partitions avant, cette idée de casser les choses institutionnelles, de sortir des registres esthétiques donnés des choses conçues "pour être comme ça et pas autrement"… En fait, pour sortir des lois. Donc 68 a bénéficié de notre action.

"Music Promenade", avec ses bribes de discours politiques, de manifestations me semble être une sorte de commentaire sur cette époque. L'avez-vous conçu comme ça?
C'est un panorama de la société. L'idée du morceau est venue du fait que très tôt au sein de la musique concrète j'ai été un des premiers à prendre le magnétophone et à le sortir du studio, à me balader avec, à proposer l'usage de son enregistré à l'extérieur du studio, c'est à dire les sons de la vie. J'avais un Nagra, un de premiers appareils portables. J'ai commencé à récolter des sons sans avoir d'idée préconçue là-dedans, mais simplement la volonté d'introduire dans le discours musical un son qui à l'origine ne l'était pas. Comme je disais toute à l'heure, la musique concrète était basée sur une abstractisation [sic] du son, on ne voulait plus connaître l'origine, la causalité.. tandis que là je voulais qu'on reconnaisse la causalité, s'il s'agissait du bruit de la circulation c'était pas pour faire la musique mais c'était pour dire: ça c'est le bruit de la circulation. (Rires) Probablement l'influence de Cage. A l'époque je faisais partie d'une équipe de tournage de films à la télévision, et j'étais un pseudo-ingénieur du son (je n'avais aucune formation technique, mais j'avais une sensibilité, une expérience de l'enregistrement).

[...]

J'ai fait "Presque Rien No. 1", je n'avais plus besoin d'être tellement radical. Il y a un paysage, un seul, et un temps donné, et la radicalité de la chose c'est que c'est un seul endroit et c'est un moment de la journée déterminée, le lever du jour. Ce qui est bien dans les "Presque Riens" ce sont des choses entendues qui se font remarquer: finalement il y a un moment où les sons se font remarquer plus que normal. Je me baladais toujours avec magnétophone et micro, et là j'étais dans un village de Dalmatie, et notre chambre donnait sur un tout petit port de pécheurs qui était pris dans des collines, ce port s'approfondissait dans des collines, ce qui donnait une qualité acoustique extraordinaire. C'était très silencieux. La nuit j'étais réveillé par le silence, ce silence qu'on oublie quand on habite en ville. J'ai entendu ce silence qui petit à petit commençait à se vêtir. C'était une merveille. J'ai commencé à enregistrer la nuit, toujours à la même heure quand je me réveillais–3h ou 4h du matin–et j'enregistrais jusqu'à environ 6h.. J'avais beaucoup de bandes!
Après j'ai trouvé un truc–j'ai choisi les sons qui se répétaient chaque matin.. Le premier pécheur qui passait toujours à la même heure, avec sa bicyclette.. La première poule, le premier âne, et puis ce camion qui partait à 6h du matin au grand port pour chercher des passagers du bateau qui arrive. Les événements imposés par la société. Après c'est le compositeur qui joue! (Sourire) Et moi, je suis libre, je joue avec la liberté.. Je pense que c'est bien d'avoir un concept très fort et puis de l'oublier. Parce que sinon on risque de passer à côté des choses. Il faut écouter l'intuition.
"Presque Rien No.2" était un dévoiement de "Presque Rien No.1". Il y a deux endroits, et c'est plutôt la nuit, le crépuscule plutôt que l'aurore. Ce qui me permettait de dormir le matin! (Rires) J'étais saisi par la nuit dans un petit village des Corbières qui s'appelle Tuchan, où la nuit je me baladais avec Brunhild et on faisait des enregistrements. La qualité de la nuit était extraordinaire–le bruit des routes au loin, les oiseaux, les grillons plus ou moins près, les cloches, les chiens...

Et un autre élément: votre voix là-dedans, comme commentaire…
Il y avait aussi l'idée du commentaire du promeneur/observateur, qui prend conscience de ce qu'il est en train d'enregistrer, et qui ajoute ses idées. Là-dedans il y a du vrai et du faux.. Il y a des choses qui, pour la logique dramaturgique, ont été ajoutées, il y a des commentaires qui sont faux! (Rires) Le fait de jouer avec la vérité et le mensonge est tout de même le concept, qui est venu après, quand je me suis rendu compte qu'il y avait un "Presque Rien" qui était en train de naître. Il y a des sons des instruments ajoutés aussi.. Le fait de mettre le promeneur à l'intérieur de la prise de son, de le reconnaître comme personne, m'a fait penser: "Maintenant il y a des sons naturels, mais je vais aussi en fabriquer, je vais introduire une transcription symbolique des sons qui me sont rentrés dans la tête et ensuite intervenir comme compositeur". Entrer dans une pratique de réalisation.

trop poli pour être vrai...

2008-02-26T06:30:00.000-08:00

mercredi 20 février – 16h30

1ères impressions:

Un comédien marche en fond de scène, les cent pas, derrière un rideau de plastique blanc. Une marche un peu lourde, lente, rythmée, dans un couloir de lumière. Il parle comme un petit garçon. Il parle du travail à la chaîne.

Le même texte. Essai avec une douche au milieu du plateau, lumière froide, l'homme assis sur une chaise. Cut noir au bout de quelques phrases. Ça marche très bien. Comme une interview de cet ouvrier. Par contre, la suite du texte, dans la même disposition, c'est moins bien. Trop long, trop statique.
Nouvel essai avec plusieurs cut noir pendant le texte, et léger changement de position de Christophe à chaque noir. Bonne piste.

Ils sont tous sur scène: comédiens, metteuses en scène. À discuter d'un détail technique. Des silhouettes sombres dos à nous. Et puis, une voix parle. Une voix féminine, qui raconte les souffrances de l'abattoir. Et une musique. C'est beau, tout ce décalage: la musique, l'abattoir et les ombres sur une scène de théâtre. Plein de richesses. À leur insu.

La même voix, la même musique. Mais cette fois c'est la scène qui se déroule: une lumière rouge sur le rideau de plastique, et une silhouette féminine derrière, dont on devine la peau nue, des jambes, du visage. Une peau floue et déformée derrière le rideau, et rouge dans la lumière. La silhouette se déplace, passe à travers le rideau. Une femme se présente devant nous, dans la lumière blanche des néons. Elle porte une courte robe noire. Plus tard, elle dansera au sol, des gestes répétitifs et de plus en plus las.
Ça ne va pas. C'est beau, décalé par rapport à ce qu'on entend, à ce que la voix raconte, le travail à l'usine, le corps qui s'use, qui trinque, et ça ne marche pas... Trop esthétique, trop poli, le corps d'une danseuse en scène n'est certainement pas celui d'une ouvrière à l'usine, en tout cas pas dans les codes corporels qui lui sont familiers. Ça pourrait se rejoindre mais ça ne se rejoint pas. Ça ne rend pas la force et la violence de ce qui est dit.
Je m'étais déjà dit ça lors d'une performance dans une manufacture de textile, en Russie. On ne peut pas se permettre d'être esthétique dans un tel environnement. Sinon, l'art n'est pas à la hauteur. Il devient fade comparé à la vie. Un peu ridicule même.

Jeudi 21 février – 17h45

Pleins feux dans la salle. L'équipe se prépare pour filer une partie du spectacle. Du monde dans la salle, des témoins, une dizaine.

Ça commence par les bruits de l'usine. Forts. Les néons intermittents. Entrée public.
Puis, l'Homme assis, en silence, sous la douche. Longtemps. C'est une image forte.
Et puis, le texte arrive. On revoit les scènes travaillées la veille, et d'autres. La danse d'Edith au sol a évolué. Les gestes sont plus fatigués, plus lascifs. Du coup ça marche mieux.
Les transitions sont encore incertaines, la place des comédiens dans la lumière pas toujours juste (mais on en est qu'au 4 ème jour de travail). Tout ce qui touche à une chorégraphie commune a besoin d'être travaillé. Pour que ce ne soit pas petit, anecdotique ou illustratif, mais à la hauteur du texte qui décidément, est extrêmement fort et percutant.

Véronique H.

Leslie Kaplan, L'excès-l'usine

2008-02-26T01:36:00.000-08:00

[extrait 1]

L’usine, la grande usine univers, celle qui respire pour vous.
Il n’y a pas d’autre air que ce qu’elle pompe, rejette.
On est dedans.

Tous l’espace est occupé : tout est devenu déchet. La peau, les dents, le regard.

On circule entre des parois informes. On croise des gens, des sandwichs, des bouteilles de coca, des instruments, du papier, des caisses, des vis. On bouge indéfiniment, sans temps. Ni début, ni fin. Les choses existent ensemble, simultanées.

A l’intérieur de l’usine, on fait sans arrêt.
On est dedans, dans la grande usine univers, celle qui respire pour vous.

[extrait 2]

La rue est ouverte sous le ciel de l’usine.
Rue douce et ouverte. Les pavés, tous les mêmes.

Les grilles de l’entrée sont très hautes, superbes.

Carcasse légère, désarticulée et pleine,
étant là, dans la cour, elle est là, l’usine.

Pièce, morceaux et vie, l’usine.
Et brique et tuile. Et entre et sort.
Et droite et gauche et brique et tuile et mou et gras et tourne et tourne et vie et vie et bois et clou et fer et fer et entre et sort et tourne et bruit.

Jamais un cri. L’usine.

Pièce morceaux et vie, l’usine, et fer et fer et vie et vie et brique et tuile et entre et sort et vie et vie et clou et clou.

On ne sait pas, on ne peut pas savoir.

[extrait 3]

On est dans l’atelier où il y a la chaîne.
On est assise. La chaîne va commencer.
Air palpable, mémoire blanche.
On est là, on est assise. Tabouret. Cartons.

Le plafond est très haut. Il y a des piliers.
L’atelier flotte un peu. Air épais, plafond haut.
La chaîne roule plate au milieu des cartons.

Les cartons sont faciles, ils se font avec les mains.
On a les mains ailleurs, on pense. La pensée est collante.
Autour, l’atelier.
Dans l’air épais, sous le plafond haut ; on fait des cartons, on pense.

La pensée ne sort pas, elle reste à l’intérieur.
Rien ne se défait, on pense.

Extraits: Kaplan Leslie, L'excès-l'usine, Paris: P.O.L, 1987.

Monster Parade

2008-02-25T07:02:00.000-08:00

Contes de Nicolas Bonneau

Un univers où se mêlent chroniques sociales et évènements fantastiques, ville et campagne, petites et grandes Humanités.

Vivre dans le secret

2008-02-25T06:48:00.000-08:00

Texte de Jon Fosse
Mise en scène d’Etienne Pommeret

Chaque personne a un secret dans l’âme, dans le sens laïque du terme…

Makadam Kanibal

2008-02-25T06:32:00.000-08:00

Cirque des curiosités
Avec Elodie Meissonnier et Jean Alexandre Ducq

Une petite cabane faite de bric à brac, un couple étrange en sort dans le bruit et la fumée. ces fakirs de l'absurde nous plongent dans l'intimité percée et troublante de leur amour cru.
Spectacle sauvage et ludique, cirque de rue « immondain ». Un spectacle pour les femmes à barbe, les lilliputiens et les sœurs siamoises.

Ce spectacle nécessite un avertissement au public.

Hippotheatron

2008-02-25T06:10:00.001-08:00

Théâtre d'objets
Mise en scène de Julien Mellano et Alexandre Musset
Avec Julien Mellano

La trame de l’histoire est basée sur celle de « Freaks » (La monstrueuse Parade), un film de 1932 du réalisateur américain Tod Browning.Un présentateur, entre Monsieur Muscle et Monsieur Loyal, fumant un gros cigare et beugle dans un anglais très approximatif et sur-titré, et présente un cirque d’objet, où les freaks se côtoient, s’aiment, se trompent, se tuent.

Dancing Inside Out

2008-02-25T03:00:00.000-08:00

Ballet Atlantique – Régine Chopinot
Avec Steven Cohen

Steven Cohen met en scène son corps pour interroger nos identités en portant la sienne à la limite (artiste africain, blanc, homosexuel et juif). Dérangeant, outrancier, hyper sexué, mais à haute teneur politique.

Cliquez ici pour voir un documentaire vidéo sur Steven Cohen...avec de très belles séquences.

Frustration

2008-02-25T01:42:00.000-08:00

Auteur-témoin: Marion

répétition du 22-02-08

Trois jours déjà, mon cul sur ce fauteuil rouge, bien collée, je ne bouge pas.
Une ENVIE de
- courir sur le plateau
- danser
- dire "hé! si on essayait ça?"
- porter une chemise jaune à rayures
- monter là haut pour régler les lumières
- mettre les Ramones à fond
- annoncer "j'aimais bien les cafards..."
- toucher les rideaux blanc du décor
- faire Nosferatu
- trifouiller les boutons de la régie
- essayer de passer derrière le rideau en 3 secondes
- crier "Momo t'est prêt??"
DE CREER
La vie de témoin c'est frustrant.

marion

Au milieu du soleil, la tête en l'air

2008-02-25T01:27:00.000-08:00

Auteur-témoin: Denis Reserbat-Plantey

Le 24 février 2008

La salle doit être sombre, avec ces néons qui pleurent une teinte d’ardoise sur les corps attentifs. Les mots cherchent leur ton, les consignes redressent un geste, une phrase, sans violence, dans un rire ou un compliment attentif. Anne déplie ses ailes de laine fine et grimpe sur le plateau, peut-être juste à l’instant. Je ne sais pas. Au milieu d’un bois de mimosas, à la pointe du banc de sable posé sur l’océan, plein sud, pensées vers le nord, salle close, plateau noir. La lumière est puissante, le grondement des rouleaux envahit tout le ciel jusqu’à l’immense dune, vers l’est, emmitouflée de brumes bleues.
La répétition, des gestes, des bruits, du travail, du spectacle, des vagues. En un instant toutes ces répétitions se mélangent, avec des contrastes puissants mais compatibles.
Ailleurs, dans le noir, l’homme assis se prépare à bouger sans voir. Pour la millième fois je m’approche de l’eau verte qui frémit en ce début de montant. Je marche doucement en pensant à son trajet, à pas comptés. Je compte aussi, pour éviter de dépasser les cinq secondes, les dix, je ne sais plus. Mais Anne a dit ; et l’homme des jours et des nuits aussi : pas plus de… !
Sur la table des festins, entre les piles, les cahiers, les claviers d’ordinateurs, des doigts véloces d’un jeune homme font surgir des sons, des bruits de vent, de gaz, de gouttes. Au bout de cette terre, au milieu de l’océan, je connais les bruits sur le bout de la langue et je pense à sa gourmandise lorsque les enceintes diffusent un nouveau mélange, une recette pour essayer, dans cette cuisine savante et raffinée, de trouver la saveur qui va tout défroisser. Ses micros seraient contents de traîner ici. Le vent a renoncé. En fond, le ronflement rythmé des rouleaux au loin, vers le Banc d’Arguin, vers les Passes Nord. Au près, le courant du montant qui clapote ses vagues fines sur les rebords sableux qu’il dévore sans cesse et réorganise à sa guise, malgré les efforts stériles des riverains planteurs de poteaux et de remblais.
Les mâchoires discrètes du courant craquètent en premier plan. Il serait content de cette répétition infiniment variée et constante. Je marche, un deux trois douze, et le sable chuinte en cadence. Les grands arbres jaunes abritent des piailleurs agités. Les bruits s’empilent. L’homme aux bruits serait content. Mais je n’ai rien emporté pour lui offrir ces petits vacarmes.
J’ai dans la tête les mots des monologues de l’une ou des autres. Je les connais par bribe et par cœur. Je les parle en silence, devant ce vide somptueux de riens en sable et en océan.
Ces phrases ne sont pas incongrues au milieu du soleil, la tête en l’air.
Dans la salle, au loin, c’est peut-être la pause, avec ses ajustements de mots et de silences.
Je regrette qu’aucune brume de tabac ne me vienne. Juste cette odeur violente des immenses mimosas en fleur, d’un jaune obscène qui domine tout, quelques jours, comme le rouge badigeonnant la silhouette d’une ouvrière, au travers de rubans plastiques du sas de l’usine à viande.
Ne plus se battre à coup de peurs, reparler ces mots crus qui partent de la viande et s’obstinent à se dire comme vient la marée. Répétitions qui aiguisent, dans le noir de la salle ou l’éclat printemps d’un océan têtu.

L'image 1

2008-02-25T00:38:00.000-08:00

Francis Bacon, Trois figures dans une pièce (détail) (1964)

Francis Bacon, Etude de corps humain, (1949)

Francis Bacon, Figure aux morceaux de viande, (1954)

Auteur-témoin: Marion

Répétition du 21-02-08

Anne : « Abattoir est constitué de plusieurs mouvements, d'images comme dans une partition ».
Image 1 : un homme assis sur une chaise. Cet homme-là ne parle pas, il est juste assis, il nous regarde. Cette première image est forte. Le mot "image" convient bien, il semble que la réalité est figée comme dans une photo, une peinture...une peinture à la Francis Bacon, froide, dure.
En fait Abattoir ressemble un peu à l'oeuvre de Bacon, en moins violent peut-être. Des corps qui souffrent, déconstruits, usés par la répétition, par la vie.
Des corps qui à la fin s'effondrent et meurent. Finalement les deux parlent de bouts de viande, ceux qu'on déchiquette dans les abattoirs, l'humain autant que l'animal. (Francis Bacon ne s'appelle pas "BACON" pour rien...)

Il semble que cette première image c'est "l'étude du corps humain" de Bacon. Ce tableau représente un homme nu de dos qui semble se diriger derrière un rideau (le rideau d'Abattoir?), l'homme nu paraît nous dire : « suis-moi, je vais te montrer le corps », comme une entrée en matière de l'oeuvre du peintre. L'image 1 d'Abattoir est semblable, un homme assis sur une chaise de face devant un rideau, nous regarde. Une belle introduction qui annonce « je vais vous raconter l'humain », l'homme et son corps confronté à la violence de la machine, de l'infinie répétition.

marion

Sur la poésie sonore

2008-02-21T05:20:00.000-08:00

Une grande partie de la programmation de Court Toujours est consacrée à des travaux sonores expérimentaux, qu'on appelle musique industrielle, concrète, éléctroacoustique, acousmatique, bruitiste ou "noise", ou encore poésie sonore.
Un salon d'écoute sera installé pour diffuser différentes productions, dont celles, entre autres, de Jocelyn Robert, Luc Ferrari, David Jisse.

Vous voulez avoir une idée de ce qu'est la poésie sonore expérimentale? Petit hommage à Henri Chopin, grand poète sonore français, qui nous a quitté en janvier 2008.
Vous pouvez écouter ici ou là

Changement de lumière

2008-02-21T02:53:00.000-08:00

Auteur-témoin: Sophie Moine

répétition du 20-02-08

« On peut voir le light ? » Le light, le light ? Je n’y vois rien, ni light, ni rien, il fait complètement noir. 12 secondes dans le noir, c’est long. Une douche de lumière, au milieu de la scène. Une lumière froide de néon qui rappelle celle d’une salle de bain un peu glauque, blanche mais pas vraiment. 10 secondes dans le noir. La lumière devient chaude, elle envahit la salle. Au chronomètre, l’homme assis au centre de la scène a 10 secondes de noir pour déménager sa chaise et se mettre en place. C’est court, 10 secondes. C’est parti, pour voir…
Vrombissement qui épouse le rythme du clignotement lumineux, plein les oreilles. Rythme des corps de bêtes qui tombent, soutenu. Je me demande depuis combien de temps ça dure. A droite, une ombre dans le noir, l’homme va s’asseoir et prend la parole. « La voix est trop lente. ». Il passe de la lumière aux zones d’ombre. Il sort de la lumière et revient dedans. Il y a quelque chose de très pesant… pesant avec du light. « Noir ! … Lumière, s’il vous plaît ». C’est vrai ça, ce qu'ils disent, quelque chose d’inexorable.

Changement de température

2008-02-21T02:36:00.000-08:00

Auteur-témoin: Alexandra Billon

répétition du 20-02-08

Tiens des changements… beaucoup plus de lamelles plastiques et les plus étroites ont remporté les suffrages, des pendrillons sur les côtés…l’impression d’une boîte, de la lumière rouge. J-B envoie le son : Joey Ramone !
Régis en robe de chambre : beaucoup d’attente entre les essais et il a froid. Edith : le micro mal réglé lui fait mal. La complicité de Claire et Anne.
On discute sur les fringues, sur ce qui sera le plus juste. Régis a opté pour la chemisette aux rayures jaune et orangé, Edith porte une jupette noire mais devra changer de culotte : « la culotte blanche c’est plus obscène » (Anne). Les chaussures font trop de bruit, il faut marcher sur la pointe.
Momo et ses bretelles, J-B et ses potards, Anne attentive au moindre détail, Claire qui a trop chaud. On discute, on précise les comptes, les cut lumière, quand on coupe le sifflet à Joey. Les essais s’enchaînent et on rediscute sur ce qui ne marche pas. Les danseurs doivent être plus présents dans leur texte, faire attention à la diction et à l’émotion de ces témoignages rudes et tranchants, J-B traque les bruits parasites. Puis c’est le tour de Christophe/Serge, l’homme qui marche qui devient l’homme assis sur une chaise. Et l’idée géniale de Momo sur la lumière. Ca bosse, ça bosse !!

La scène rouge

2008-02-21T00:55:00.000-08:00

Auteur-témoin: Denis Reserbat-Plantey

répétition du 20-02-08

Les parties du spectacle se nomment. Il y a la « scène rouge », l’obscène disait-elle hier…
« L’homme assis » énumère et raconte, décrit et met à plat, désosse sa vie d’usine, distend les jointures de cette carcasse complexe de lieux divers où les bruits et les cadences oppressent.
Aujourd’hui semble être le jour des bruits, des sons, de leurs places. Comment flotter sans faire craquer le plancher et s’échapper dans le noir sans bruit entre deux images ? Ca craque dans le noir. Soit voler soit jouer ces pas. Le colloque sur scène s’organise. Des papotages . entre épais qui nous échappent, sauf peut-être au rusé qui a mis un micro zoom sur sa caméra.
Alors que décident-ils ? Moquette, carpette, pieds nus, volètent sans bruits d’ailes, fantômes aériens ?...Bruits de pas ou pas ? Les silences s’échangent et tardent, tendent l’air froid qui s’insinue depuis la coulisse. Ombres grises, on tousse un peu. Histoires de cuisine souligne-t-elle. Anne souligne, se déplie et revient, tourne et s’entortille dans un châle qui renferme son doute de dernière minute, sa certitude encore tiède. Qu’elle emporte contre elle depuis la table du festin jusqu’au plateau, qu’elle agite dans la lumière revenue. Les manettes, les lumières et le foutoir de la table du festin s’enrichissent de chocolat, de bouteilles, d’ordinateurs nouveaux. Anne se déplie et Claire file, pour proposer un geste, reprendre une posture
Le temps est suspendu parfois à ces échanges inaudibles, dans un brouillon furtif qui se fait là, devant nous entre ces gens épais.
Pendant les négociations, l’homme assis continue ses voyages pour tenter des pas moins lourds, évacuer la trace du bruit, inlassablement. La bande son se lâche. Marie Parle dans l’air mais malgré Edith qui écoute, dans ce rassemblement de plateau qui continue le débat mystérieux.
Sur la scène là-bas, les épais nous évacuent gentiment, sans y penser, et nous restons fixés dans nos fauteuils, images d’un public à venir.
Fini le désordre apparent ! Le chrono est sorti, les chiffres du temps vont parler, net et ferme. On y va, on attend, les piles des micros…Repères encore, au sol, dans l’air, du temps est en trop. Calons ces décalages.
L’extérieur s’impose soudain, par la voix d’un enfant qui apaisera la tension de sa mère attendant des nouvelles. Claire redonne le LA aux cafards qui doivent ramper en cadence et dos plat et sans trop de fracas. Aujourd’hui c’est le bruit.
La fatigue descend doucement. Le travail, les reprises, commencent à faire mal aux jointures. Le sujet même du texte du spectacle s’impose dans la viande des corps.
Image 5. Les cafards, le rythme, le conducteur, le détail bien aligné, la transition invisible car
cent fois répétée. Répéter, comme l’enfant le fait pour apprendre à parler, à faire et à comprendre, à mettre des mots sur les furies et les passions du monde. Couper, appuyer, user, répéter. Le cuir devient dur et pierre ! Le couteau ripe et dévie. Tout s’égare tandis que chez l’enfant la répétition construit et aligne vie à vie, mots à langues et gestes aux regards.
Le son, encore le son qui trouble et divise autour de la table des festins et ses lumières bleues. Bruit contre parole ? Quel niveau ?
La danseuse est fatiguée, le texte a perdu quelques mots et gagné des accents, de l’épaisseur.
Les repères collés au sol, aident et secourent. Comme le thé et la friandise chipée sur la table, lors d’un va et vient entre salle et plateau. Claire, d’un doigt précis, dégoupille le thermos de thé qui produit un son de hoquet soyeux et métallique. Claire aux doigts précis, qui dansent et dégoupillent le thé.
Serge repart au front des mots, reparle et affine, ferme ses phrases, pose des silences comme les dalles noires d’un pavage savant. Anne le suit, précise.Le temps est passé pour ce soir. Par couches successives, cent douze et dix fois, par morceaux, le déroulé se met en place, prend déjà son temps, son bruit, ses gestes.
Claire précise la nonchalance, sa pratique et sa raison, décline les clés de l’architecture profonde d’un balancé de jambe. Encore des essais de son, entre bruit de gaz et gouttes d’eau, jazz et Sex-pistols, bruissements et grattés chuintant des corps qui rampent. Des bruits de l’ailleurs, hors salle et hors propos, ce soir, pour faire assez doucement irruption et gommer la fatigue.
Un courant d’air amène de la nuit un vent de tabac blond.

Les juifs selon le racisme fasciste

2008-02-21T00:53:00.000-08:00

George Montandon (1979-1944)
Comment reconnaître le juif
Nous avons rappelé, dans les premières lignes, l’effet qu’il produit sur la rétine. Enumérons maintenant ses caractères les plus courants. Ce sont :
- Un nez fortement convexe, d’ailleurs de façon différente chez les individus, fréquemment avec proéminence inférieure de la cloison nasale, et ailes très mobiles ; chez certains sujets de l’Europe sud-orientale, le profil en bec de vautour est si accusé que l’on pourrait croire à un produit sélectionné […].
- Des lèvres charnues, dont l’inférieure proémine souvent, parfois fortement […]. Des yeux peu enfoncés dans les orbites, avec, habituellement, quelque chose de plus humide, de plus marécageux que ce n’est le cas pour d’autres types raciaux, et une fente des paupières moins ouverte. […]
- Des caractères moins fréquents et moins marquants sont : le cheveu frisé […], les épaules légèrement voûtées, les pieds plats. Certaines attitudes sont également plus ou moins typiques, à savoir : le geste griffu, l’allure dégingandée.

Texte en écho au spectacle Dancing Inside Out

Dehors, la lune...

2008-02-21T00:26:00.000-08:00

Auteur-témoin: Danièle

répétition du 20-02-08

Abattoir de abatteis, massacre. Usine, désormais.
Sur la scène, l’industrie est là. Symbolisée par presque rien.
De grandes bandes verticales, matière lourde, translucide.
Comme les lanières en plastique translucide qui, dans les usines, s’opacifient de frottements et de vieillissement.
Quelle matière première à transformer ?
Ici, c’est de l’humain dont il est question.
Dans le noir de la salle de Beaulieu, des femmes et des hommes mettent en mouvement le texte, travaillé comme une partition.
La parole conte le quotidien avec des phrases simples, des mots banals.
Mais ce n’est ni simple ni banal.
Le son trouve sa juste place pour que les corps bougent en accord avec les mots.
Il n’est pas en plus, il est avec.
Ce n’est pas magique, c’est du travail, encore du travail, toujours du travail.
Des essais transformés ou effacés.
Placer une main, enrouler une jambe, la dérouler moins vite, la retenir, marquer des pauses, trouver une posture en accord avec le texte, attendre le noir et s’en servir…
Et aussi, manger une banane, boire un peu d’eau, de café, croquer du chocolat, rire, sortir fumer une cigarette : la vie, quoi !
Dehors, la lune flotte dans un halo de léger brouillard.

J'ai envie de retourner la scène pour voir si la neige va tomber...

2008-02-20T03:32:00.000-08:00

Auteur-témoin: Denis Reserbat-Plantey

répétition du 19-02-08

Travailler la journée.
Se hâter pour rejoindre le clan des épais qui dans le noir parlent, bougent et dansent, éclairent et bruitent, rient et se taisent en goûtant les silences.

Lorsque j’arrive, l’homme assis parle. De ferraille qui traverse la cervelle. Il y a toujours des réactions chez les bêtes…Le parleur ne bouge presque pas, sculpté par une lumière qui s’abat sur lui, sale et froide. La pénombre a des talents cachés. Edith doit montrer ses bras, J’en ai besoin dit l’une. Claire rôde dans le noir, déroulant de ses mains le corps des danseurs, montrant, glissante des esquisses de gestes, lentement essayés.
La table de festin s’est agrandie de deux éléments, couverts de fatras, entre gâteaux et liasses de textes. Les épais se parlent entre eux de mots et de corps.
Je galope avec le corps si le paragraphe est long...je me sers de mon regard…pour poser mes mains et trouver un interlocuteur. Claire approuve et danse du bout des doigts, décrivant l’espace, ce qui doit l’occuper. On essaye, on tente ces détails là. Les chemins, il faut essayer les chemins, précis dans l’improbable vide de cette scène en boîte noire, bordée de bandes plastiques que la pause a calmé.
Bruits : ça respire de très près. Un micro est ouvert. Les sons s’étagent sans peine. La ventilation assure la continuité du temps, en fond discret.
Le texte dit. Encore et de plus en plus précis, dense, les corps dansent aussi rajoutant leurs bruits de bougés lents à la voix du parleur. Les épais ont repris leur envol sous les yeux d’Anne et de Claire, eau de Javel, qui est la plus forte ! ?
On va garder ça. Et le rouge surgit, il a le temps de venir pour tout le monde…dix secondes… que tout le monde regarde le rouge ! Avance un peu, c’est compliqué. L’homme compte ses pas, la femme devient noire contre le plastique soudain gris. Les bruits assomment les corps présents, fausse alerte d’un curseur impatient, les micros se moquent des perceptions de la salle. Le rouge est démis, comme une épaule, une articulation. Anne et Claire parlent du noir qui vient. Avec l’homme du haut, celui du spectre solaire, qui fait à la commande le jour froid ou la nuit, les rouges ventrus de gélatines à numéros savants.
Edith réchauffe ses avant-bras dans un vacarme de chairs frottées. Le micro est ouvert, la salle frissonne avec elle. C’est doux.
On attend le signal, on garde les émotions, pour les polir plus tard, les tourner d’une gouge invisible. L’homme assis clignote un peu. Les hommes, la femme. Elle passe au travers des lambeaux. Je suis le bouche trou, c’est temporaire, pour longtemps. L’obscénité rouge et violente s’accorde à cette voix qui balance des mots de vaches qui meurent debout, de têtes dévastées, de corps qui souffrent à force de répéter.
Vous étiez très ensemble, et là on n’y arrive plus. Anne veille et relâche. Claire fait un colloque avec les autres épais, au milieu du plateau. Comment sortir de cette herse plastique, la traverser en jouant sur le mouvement, les lumières et la transparence des ces bandes suspendues. L’instant est grave, léger comme un quartier de bœuf. Les femmes élaborent et discutent. Les hommes mangent des friandises.
Bruits de boulons et de cintres, au ciel, dans le noir l’homme lumière est parti régler un soleil comme Anne le voulait. Edith est dans sa boule de lumière, gris froid. J’ai envie de retourner la scène pour voir si de la neige va tomber, comme dans ces figurines souvenir… Mais personne ne va renverser le monde.
Les mots en play-back changent les corps. La confusion s’installe, elle est à renchérir pour augmenter les épaisseurs…
Des corps assis, repérés, aux postes marqués au sol, équipés et scotchés, éclairés, fournis en mots écrits et en souffles diffusés, réchauffés par les demandes et les conseils, la paume des bras qui montre, redresse et vérifie.
Oui, il faut commencer à bouger dans le noir …L’enfant à naître aussi bougera dans le noir.
Une dernière fois, encore avant que la fatigue soit trop grande ?
Je m’éclipse, pour les laisser seuls, les épais et leurs acolytes. Entre eux, c’est bien ainsi.

ambiance de répèt'

2008-02-20T02:55:00.000-08:00

Auteur-témoin: Alexandra Billon

Première journée de répétition / 18-02-08

J’arrive et le plateau est vide, pause pour tous. Je découvre la structure mise en place : un cadre rectangulaire où sont accrochées de grandes lamelles de plastiques, lumières blanches et froides… abattoir. Des sons de ciseaux.
Derrière les lamelles de plastique on entrevoit des corps flous, comme des fantômes. Pas de visage, une forme parmi d’autres et c’est tout. Des discussions s’ensuivent sur les jeux de lumière avec les lamelles de plastique. La danseuse doit-elle rester derrière ou passer devant ?
Ambiance dure des textes et du décor… techniciens attentifs…rire des danseurs quand un micro tombe…ambiance de répét’.

...Qui parle et d'où ça vient?

2008-02-20T02:49:00.000-08:00

Auteur-témoin: Denis Reserbat-Plantey

Première journée de répétition / 18-02-08

Le hors champ est visible, l’arrière plan encombré, gommé par des rideaux en bandes larges de plastique translucide. Les micros crachent des bruits de corps frottés, des respirations, quelques mots bien appris, ordinaires et féroces, refuges des douleurs. Des danseurs déambulent. Ils bruitent leurs passages entre les lourdes bandes que la lumière agite. Récits, récits d’une ouvrière…
Pleurer à fond perdu, comme la tête s’étourdit en virevoltes. Bloquée, surprise, bloque ta peur au coin de ton épaule. Mal. Les ombres démantibulent ce noir qui change sous les doigts d’un technicien, au gré de la voix tournant ses colères et ses droits.
Les ombres rampent, les gris bougent, tassent les corps, quasi endormis dans une geste lente. Le texte s’échappe un peu. Anne remorque les mots envolés. Ce sera pour plus tard : ils couleront métalliques, ou pas, avec le reste.
Garder l’état provisoire de ce qui advient, sur le champ. Essayer des bruits matières et des chuintements, déformations de tout, pour croiser corps et mots, conseils et questions. Montre moi ce que tu veux. Tombe doucement, plus doucement, lentement. Le bois résonne. Rampe la cadence, grognent les micros, restent les souffles, affichés dans l’espace, en premier, et intimes, saturant l’espace de la scène. Tombez les corps, ensemble, petits insectes rieurs, swinguez 1 2 et 3 dans la pénombre ardoise. Il faut savoir par où on passe. La main, la main est une brûlure…qui travaille dur dans la tête…dormir, fini, les fourmis sont là. Les petits cafards qui tapent et retapent, avec des mains qui claquent et Claire qui reprend.
J’écris la chronique du tant pis, le mien. Les bouches soufflent. Musique !
Anne rassemble, Claire montre et pointe.
La pause laisse vide la salle et la table de répétition, site d’un festin étrange suspendu dix minutes. La table est pleine de fils et d’engins, d’écrans et de papiers, de sparadrap, de carnets, de piles, de verres et de boutons éléctriques marqués de codes savants.
Fin de la pause. Droit au noir pour tous, malgré l’obscène lampe rouge d’un équipement de secours, les flèches bleues d’une issue. Une odeur de tabac arrive avec l’air frais d’une issue entrouverte.
Depuis le plateau, la scène, la salle est un écran seulement organisé par les rangées de fauteuils. Un homme danseur est seul, assis, en train de grignoter un biscuit.
Un rire arrive des coulisses. La pause s’achève.
Une piétinade précède le retour des gens épais. Les témoins que nous essayons d’être sont plats comme des décors de Méliès. Nous les témoins assis. Les épais sont graciles et saillants dans le travail, par le jeu de leur hésitation précise, de plus en plus. Des bruitages découpent l’air noir. Des lames coupent et crissent. Des chairs, des cheveux, avec des ronds de lumière qui se chassent en tremblant. J’ai envie du retour des épais dans des jaillissements ralentis juste en grincements, dans des jets immobiles de vacarmes soyeux.
Une femme parle, au loin, derrière le translucide. Comment voir et aller plus loin ? Trop loin ? Tuer des vaches, dire des mots, toutes les minutes pour respirer et laisser la souffrance dans les soupirs d’ouvrières usées….
Ombres lourdes ou délicates, grasses et flouées, empreintes sur des rideaux de douche, ou teintes à la Degas pour danseuse immobile. Viande emballée dans un reflet plastique que la lumière agite doucement en lambeaux ternes et figures vivaces.

On recherche le pivot, l’aspect du corps, le profil d’Edith, durant sa tirade. Qui parle et d’où ça vient ? Semer le doute et décaler image et son. Le montage repointe son museau : le cinéma n’est jamais loin du fil de l’image en train de se faire.. Les gestes sont envoyés vers le public, comme on teste un costume, un ton de réplique. Les épais sont tous en scène, subtilement aplatis derrière l’écran terne. Ils se parlent, rient et se remarquent. Nous nous taisons, ravis.
Anne veut des quarts d’heures, pour les costumes, la lumière. Essayer, voir et reprendre.
Claire marche doucement au dessus du sol, à quelques centimètres.
Ca parle d’horaires, pour essayer demain, plus avant.
C’est la nuit qui vient tout ranger derrière nos yeux.

Témoins de quoi serons-nous bien?

2008-02-20T01:58:00.000-08:00

Auteur-témoin: Denis Reserbat-Plantey

A la suite de la réunion de présentation avec Anne Théron et Claire Servant, le mercredi 13 février 2008.

Le choc de nos chairs. Inconnus, peu ou pas, rassemblés par un formulaire à remplir, par des envies de voir comment c’est, le dedans du ventre de la bête. Anne et Claire sont là, expliquent et délimitent. Le titre, la création qui se déplie, comme le mascaret sur l’estuaire, tout mélangé de limons divers, d’une eau salé ou demi douce.
De quelle caste serons nous ? Il y a des envies, dites et esquissées, de proximité, d’entre nous, de confrérie. Tous et toutes créateurs ? Le vide des mots risque de ronger le bastingage. Chacun fera son chemin, à l’ombre des forêts que Claire, Anne et les autres vont extirper, lisser, essayer, dans une fabricature intime qui ne nous aura au mieux que comme témoins, au loin, comme on croit être prêt de l’oiseau lorsqu’on le braque avec la longue vue.
Les machines de l’image sont présentes dans les mots des uns et des autres. Ces machines à effet de réel, que vont-elles nous cacher en prétendant montrer les ressorts du monde ? Les patients veulent comprendre leurs rêves, les enfants démonter le jouet, les curieux espionner le voisin et sa voisine. Témoins de quoi serons-nous bien ? Je n’en sais rien et je n’aurai aucune réponse pour autrui. J’ai juste envie de vérifier que je sais toujours regarder et écouter, traduire dans mes langues que « c’est ma viande qui fait ça », que dans la craie, c’est la falaise qui m’importe aussi,. dans la plume l’oiseau, dans les yeux un reflet de mots en caresse.

Le groupe témoin d' "Abattoir"

2008-02-19T02:46:00.000-08:00

15 personnes, amateurs ou non de théâtre et autres disciplines artistiques hybrides, ayant en tous cas un intérêt pour le plateau, et ce qui peut s'y passer avant la production dite "finalisée", assistent aux répétitions d' Abattoir, spectacle mis en scène par Anne Théron et Claire Servant. En tant que participants d'un groupe témoin, suivant au jour le jour les avancées de ce spectacle, 15 personnes pour 15 regards différents, 15 approches de la "cuisine" d'un spectacle, comme le dit Anne Théron. 15 sensibilités qui utiliseront divers supports, dont l'écriture, mais aussi l'image sous toutes ses formes.
Retranscription de ce journal de la création sur ce blog, dans la rubrique "Abattoir".

Diane Arbus, photographe de la singularité

2008-02-18T07:53:00.000-08:00

"La plupart des gens traversent la vie craignant d’avoir une expérience traumatique. Les freaks sont nés avec leur trauma. Ils ont réussi leur test de la vie. Ce sont des aristocrates."

Ses images sont singulières, troublantes, obsédantes. Diane Arbus aime photographier les marginaux, elle est même fascinée par les personnages hors normes : travestis, malades mentaux, monstres de foire (les "freaks"), nudistes, jumeaux… Les images de Diane Arbus interrogent sur l'identité de ces "icônes" hors du commun.

Diane Arbus est née en 1923 à New York. C'est à l'âge de 14 ans qu'elle rencontre son futur mari, Allan Arbus. Ils ouvrent ensemble un magasin de photo de mode après la seconde guerre mondiale. En réalité, c'est Allan qui prend les photos, Diane tient le rôle de styliste et démarche auprès des agences. Ses premières photos personnelles ne datent que de 1957 environ. Elle s'extrait peu à peu du duo qu'elle formait avec son mari au profit de son inspiration. Le couple se sépare en 1960. Elle étudie alors la photographie à la New School de New York. Diane Arbus concentre son activité à New York et ses alentours, photographiant des inconnus dans la rue. Fascinée par les personnages hors-normes, elle photographie également des travestis, des malades mentaux, des jumeaux etc. En mélangeant le familier avec le bizarre, Diane Arbus dresse un portrait troublant de l'Amérique des années soixante.
Dépressive, Diane Arbus se suicide le 26 juillet 1971.

Pour voir un bon site de photographies de Diane Arbus, cliquez ici.

Autour de... Makadam Kanibal

Freaks, la monstrueuse parade

2008-02-18T06:49:00.000-08:00

Photos en écho au spectacle Hippotheatron

Théâtre d'exhibition

2008-02-12T03:36:00.000-08:00

Nick Tomasovic
Freaks, La monstrueuse parade de Tod Browning
Le monstre, on le sait, n’existe qu’à partir du franchissement d’un seuil. Les spectacles de monstres n’auront de cesse de mettre en scène ce passage extraordinaire. Cette idée est déjà celle qui prévaut dans le choix même des créatures exposées. Le freak est toujours sur la frontière, entre l’homme et la femme, l’homme et l’animal, entre la réalité et l’illusion, le fait et le mythe, l’expérience et le fantasme. En outre, il se définit par l’excès, par la manifestation d’un dépassement. Il est trop grand ou trop petit, trop gros ou trop maigre, trop sexualisé ou trop désexualisé, trop déformé ou trop peu formé. Dans tous les cas, il outrepasse les catégories, les fait exploser ou bien en fait créer de nouvelles, insolites. D’ailleurs, les professionnels qui travaillaient dans le milieu forain et s’occupaient du show business des exhibitions de curiosités réinventaient des catégories en fonction des monstres qu’ils rencontraient. Une certaine classification existait néanmoins dans le métier, mais elle rendait compte davantage du type de numéro que des spécificités physiques. L’usage distinguait en effet les « born freaks », des « made freaks » et des « novelty acts ». Les premiers sont des monstres qui ont révélé dès leur naissance une anomalie physique qui les rend peu communs (nains, jumeaux, hydrocéphale, etc.) ; les second sont des personnes qui ont pratiqué sur elles-mêmes des expériences qui les ont rendues suffisamment différentes pour être exposées (mutilations, tatouages, etc.) ; la troisième catégorie recouvre les personnes capables de performances insolites spectaculaires (avaler des sabres, cracher du feu, charmer des serpents, etc.). Enfin, une dernière catégorie, les « gaffed freaks » regroupaient tous les simulateurs et autres imposteurs qui se faisaient passer pour des monstres dans des numéros truqués (dissimulation des bras sous une chemise ajustée, jambe supplémentaire appartenant à un complice, maquillage et postiche divers, etc.).

Texte en écho au spectacle Hippotheatron

"Ces histoires sont véridiques. Ce sont peut-être des paraboles, mais elles ne signifient ce qu'elles signifient que parce qu'elles sont vraies."

2008-02-12T02:03:00.000-08:00

Paul Auster

Autour de... Monster Parade

Se transformer

2008-02-07T01:44:00.000-08:00

Kafka (1883-1924)
La Métamorphose
Un matin, au sortir d’un rêve agité, Grégoire Samsa s’éveilla transformé dans son lit en une véritable vermine. Il était couché sur le dos, un dos dur comme une cuirasse, et, en levant un peu la tête, il s’aperçut qu’il avait un ventre brun en forme de voûte divisé par des nervures arquées. La couverture, à peine retenue par le sommet de cet édifice, était près de tomber complètement, et les pattes de Grégoire, pitoyablement minces pour son gros corps, papillotaient devant ses yeux.

Fantômes d'enfance

2008-02-07T01:42:00.000-08:00

Isabel Allende
De amor y de sombra
Elle se souvint des histoires de fantômes que lui racontait Rosa quand elle était petite : le diable qui apparaissait dans le miroir pour effrayer les vaniteuses ; l’homme noir qui traînait un sac rempli de créatures enfermées ; les chiens avec des écailles de crocodile sur le dos et des sabots de bouc ; les hommes à deux têtes qui se tapissaient dans les coins pour attraper les cheveux des filles qui dorment avec les mains sous les draps. Des histoires terrifiantes à lui donner des cauchemars, mais qui la fascinaient tant qu’elle ne pouvait s’empêcher de les écouter et de les réclamer à Rosa alors que, tremblante de peur, elle voulait se boucher les oreilles et fermer les yeux, mais en même temps mourait d’envie de connaître les moindres détails.

J'ai peur de moi!

2008-02-07T01:40:00.000-08:00

Guy de Maupassant (1850-1893)
Lui ?
Je n’ai pas peur d’un danger. Un homme entrerait, je le tuerais sans frissonner. Je n’ai pas peur des revenants ; je ne crois pas au surnaturel. Je n’ai pas peur des morts ; je crois à l’anéantissement définitif de chaque être qui disparaît !
Alors !... Oui, alors !...Eh bien ! j’ai peur de moi ! j’ai peur de la peur ; peur des spasmes de mon esprit qui s’affole, peur de cette horrible sensation de la terreur incompréhensible. […]
J’ai peur des murs, des meubles, des objets familiers qui s’animent, pour moi, d’une sorte de vie animale. J’ai peur surtout du trouble horrible de ma pensée, de ma raison qui s’échappe brouillée, dispersée dans une mystérieuse et invisible angoisse.

Autour de... Vivre dans le secret

Des lèvres grosses

2008-02-07T01:39:00.000-08:00

Giambattista Della Porta (1535-1615)
La Physionomie humaine
Selon le sentiment d’Aristote écrivant à Alexandre, les lèvres grosses dénotent l’homme fou : Polémon dit en la fin de son Livre, que les grandes lèvres marquent l’homme insensé : Conciliator tient que ceux qui les ont grandes, sont fous et hébétés ; à cause de ces fortes lèvres certains hommes sont appelés lévrus, lippus, gens aux grandes lippes. […]
Ceux-là sont tenus pour fous, qui ont les lèvres grosses, quand celle du haut est plus dehors que celle du bas, à la ressemblance des ânes et des singes, du naturel desquels ils tiennent, car à ces deux espèces d’animaux la lèvre du haut est plus éminente que celle du bas.

Texte en écho au spectacle Dancing Inside Out

Jocelyn Robert

2008-02-07T01:01:00.000-08:00

Jocelyn Robert travaille en art audio, art informatique, performance, installation, vidéo et écriture. Ses travaux ont été montrés au Canada, aux États-Unis, au Mexique, au Chili, en Australie et en Europe. Il a publié une dizaine de cds en solo et a participé à plus d'une vingtaine par d'autres artistes, a performé aussi bien en solo qu'avec Diane Landry, Laetitia Sonami et Bruit TTV, et a réalisé plusieurs installations en solo ou avec des collaborateurs tels Emile Morin et Daniel Jolliffe. En 1993, il a fondé le centre Avatar, à Québec, spécialisé en art audio et art électronique ainsi qu’OHM éditions. Son installation vidéo-informatique L'Invention des Animaux a remporté en 2002 le Premier Prix ex aequo catégorie Nouvelle Image de la Transmediale, à Berlin. Il est intéressé par la banalytique, par l'espace entre les riens, par une certaine épaisseur du temps…

Les travaux de Jocelyn Robert sont très eclectiques. Un journaliste qui commentait certains de ses travaux a commencé son article en disant: "La seule chose qu'ont en commun ces trois disques, c'est qu'ils ont le même nom sur la pochette"...

Ses oeuvres, notamment sonores, seront présentées pendant le festival. Vous pouvez les écouter ici et là

L'inquiétante étrangeté

2008-02-06T09:37:00.000-08:00

Sigmund Freud (1856-1939)
L’Inquiétante Etrangeté
Tel est le domaine de l’ « inquiétante étrangeté ». Il ne fait pas de doute qu’il ressortit de l’effrayant, à ce qui suscite de l’angoisse et de l’épouvante, et il n’est pas moins certain que ce mot n’est pas toujours employé dans un sens qu’on puisse déterminer avec précision, de sorte que, la plupart du temps, il coïncide tout bonnement avec ce qui suscite l’angoisse en général. […] l’inquiétante étrangeté est cette variété particulière de l’effrayant qui remonte au depuis longtemps connu, depuis longtemps familier. […]
Le mot allemand unheimlich, est manifestement l’antonyme de heimlich, heimisch, (du pays), vertraut (familier), et l’on est tenté d’en conclure qu’une chose est effrayante justement pour la raison qu’elle n’est pas connue ni familière. Mais il est évident que n’est pas effrayant tout ce qui est nouveau et non familier ; la relation n’est pas réversible. On peut seulement dire que ce qui a un caractère de nouveauté peut facilement devenir effrayant et étrangement inquiétant ; parmi les choses revêtant un caractère de nouveauté, quelques unes sont effrayantes, mais certainement pas toutes. Au nouveau, au non-familier doit d’abord s’ajouter quelque chose, pour qu’il devienne étrangement inquiétant.

Autour de... Vivre dans le secret

Causes des monstres

2008-02-06T08:56:00.000-08:00

Ambroise Paré (1510-1590)
Des monstres et prodiges
Les causes des monstres sont plusieurs. La première est la gloire de Dieu. La seconde, son ire. La troisième, la trop grande quantité de semence. La quatrième, la trop petite quantité. La cinquième, l’imagination. La sixième, l’angustie ou petitesse de la matrice. La septième, l’assiette indécente de la mère, comme, estant grosse, s’est tenue trop longtemps assise les cuisses croisées, ou serrées contre le ventre. La huitième, par cheute, ou coup donnés contre le ventre de la mère estant grosse d’enfant. La neuvième, par maladies héréditaires, ou accidentales. La dixième, par pourriture ou corruption de la semence. L’onzième, par mixtion, ou meslange de semence. La douzième, par l’artifice des meschants belistres de l’ostière. La treizième, par les Démons ou Diables.

Autour de...Hippotheatron

Qu'est ce qu'un entresort?

2008-02-06T03:28:00.000-08:00

Les entresorts étaient autrefois ces baraques foraines où le spectacle était permanent, où le public entrait d'un côté pour ressortir de l'autre, pour contempler les phénomènes, les divers monstres de foire, les attrape-nigauds et autres puces savantes.

Un abattoir c'est d'abord une usine...

2008-02-05T07:20:00.000-08:00

Abattoir est un spectacle d'Anne Théron et de Claire Servant, en création pour Court Toujours 2008. A l'origine de ce spectacle, la lecture du scénario de documentaire de Manuela Frésil, basé sur la vie des ouvriers qui travaillent dans les grands abattoirs du nord ouest de la France.
Sur scène, la parole de deux hommes et une femme, témoignant des conditions de travail dans cette usine où les cadences, les gestes, l'horreur usent les ouvriers jusqu'à la maladie.

"Un abattoir c'est d'abord une usine.
C'est une première étrangeté.
Pour nous qui n'y travaillons pas, l'abattoir n'est pas une usine, c'est un lieu loin de nous, où on met à mort les bêtes. Mais pour tous ceux qui y travaillent un abattoir c'est une usine, une usine qui produit de la viande.
Trancher la viande, percer la viande, retirer l'os, pousser la viande, trier la viande, refaire le même geste une fois toutes les secondes, dans une atmosphère à deux degrés, et c'est les articulations, les tendons, les muscles des ouvriers qui lâchent. Les corps des animaux sont démembrés par la chaîne de production, celui des hommes aussi: leurs articulations, leurs os, leurs tendons, leurs muscles s'usent et se détériorent."
Anne Théron, novembre 2007